The contribution is about Ida Gotkovsky's unique compositional approach. It emphasises tonal colour and subjective sentiment close to French impressionism in works like the "Concerto pour trombone et piano" and "Variations pathétiques pour saxophone et orchestre." It also explores her use of intertextuality, integrating and reinterpreting musical material to create a cohesive oeuvre and explain her compositional expertise. This intertextual strategy aligns with historical practices like parody and contrafactum, contributing to a uniformity of musical expression. The article gives an insight into Gotkovsky's diverse and poetically expressive musical language.

The article about Ida Gotkovsky discusses her career as a composer and music educator, highlighting her training with renowned teachers such as Olivier Messiaen and Nadia Boulanger. Gotkovsky has composed a series of pedagogical and solo works for wind instruments, and her rigorous approach and contribution to the wind music repertoire are emphasised. Additionally, it is revealed that Gotkovsky has had a distinguished career as a teacher in France, the United States, and Russia . The article also provides a list of some of her pedagogical works .

Asca Rampini and the integration of Italian immigrants into Luxembourg society through music" Asca Rampini (1931-1999) was the conductor of the Harmonie municipale de Differdange between 1965 and 1980. Under his baton, this wind band became one of the best in Europe. A side-effect of Asca Rampini's merit, about which little has been said until now, is that he brought together Italian immigrants and Luxembourg citizens - like himself, in most cases workers in the steel industry — through music with a coexistance at a high artistic level.

Wagners Abneigung gegen Juden beansprucht einen breiten Raum im Schrifttum über einen der bedeutendsten und umstrittensten Komponisten der Musikgeschichte. Im Vortrag wird es darum gehen, Wagners Antisemitismus, wie er in der französischsprachigen Literatur thematisiert wird, begrenzt auf zwei Thesen (Musikkontext, Schriftenkontext) zu beleuchten. Als einer der führenden Autoren betrachtet der franko kanadische Semiotiker und Musikwissenschaftler Jean Jacques Natthiez die französische Übersetzung des Pamphlets "Das Judentum in der Musik". Hierzu und zu anderen Texten Wagners hat Pierre André Taguieff eine umfangreiche kritische Studie vorgelegt. Während Wagners polemische Schriften die Realität seines Antisemitismus widerspiegelten, seien seine musikalische Werke Hypothesen, die erst durch erstere ihren Nährboden erhielten.

This book is the first monograph on the history of music in the Grand Duchy of Luxembourg. It covers a wide range of topics, from music before state independence to ethnomusicological and pedagogical aspects. It also considers aspects such as the suppression of music during the National Socialist occupation and the rise and fall of light music. Transnational reflections, without which a history of music in Luxembourg would be unthinkable, come into considerations. The abundance of information available makes it necessary to set an end point around the 1970 milestone.

This article focuses on a historical overview, criticism of solfège teaching and more accomplishable approaches to music education. When Guido of Arezzo came up with the invention of the line system and derived tone syllables from the first letters of St John's hymn just under a millennium ago, he laid the foundation for a new approach to musical education: he replaced stubborn memorisation of (church) chants with a learnable, mechanical reading technique. He probably could not have foreseen that after almost a thousand years, 'his' idea would still be relevant. This article is based on several lectures and previous publications. It is intended to show the extent to which Solfège is situated in terms of music aesthetics on the one hand. However, on the other hand, this method of mechanical readability, when it is applied without any claim to music aesthetics, is increasingly causing headaches for music educators. Two years ago, the Kodály concept was recognised as an intangible cultural heritage of humanity. This mainly brought the preservation of the diverse Hungarian folk music heritage into focus and only secondarily the pedagogical idea associated with it. It should not be forgotten that the latter is based on Guido von Arezzo's predecessor concept and would be inconceivable without it. As a logical consequence, the Solfège should also be included in the list of intangible cultural assets. Its influence is based on a musical pedagogical concept that is more than a thousand years old and still has a decisive effect on musical education in many European countries. The Solfège system is not without controversy, but where is it written that an intangible cultural property must be based on consensus on content? Is not the discourse of musicology or music education the salt in the soup that could stimulate the discussion about the inclusion of cultural property in the UNESCO List

Beschreibung des Verlags "Der sechste Band der Kritischen Gesamtausgabe der Werke von Laurent Menager ist zugleich der erste Band der Abteilung 2: Instrumentalmusik. Über den Begriff Kammermusik lässt sich indes diskutieren. Jedenfalls sind die Werke für kleine Besetzung konzipiert. In Menagers Gesamtwerk nimmt die Kammermusik mit nur sechs Kompositionen einen kleinen Raum ein. Inhalt: Divertissement pour Viola (Viola, Klavier) Liebchen Geige (Violine, Gesang) Paraphrase pour cordes, op. 45 (5 Streicher) Prière du soir (Violoncello, Klavier) Streichquartett A-Dur, op. 1 Sur la Montagne, op. 35 (Horn in F, Klavier) Schwierigkeitsgrad: mittelschwer"

Im Beitrag geht es einerseits um briefliche Korrespondenzen im Zusammenhang mit dem Cäcilianismus in Luxemburg, insbesondere um den Briefaustausch zwischen zwei herausgehobenen Persönlichkeiten, nämlich Franz Xaver Witt, dem im süddeutschen Raum wirkenden Hauptvertreter der kirchenmusikalischen Reformbewegung, und seinem in Luxemburg wirkenden Mitstreiter im Geiste, Heinrich Oberhoffer. Ande-rerseits werden Formen von Machtausübung thematisiert, die vom Cäcili-anismus ausgehen und auf ihn einwirken.

Nach ihrem großen Erfolg beim Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb in Moskau galt die Cellistin Françoise Groben (1965-2011) als ein „Aushängeschild“ der Luxemburger Musik. Zahlreiche Tourneen führten sie kreuz und quer durch Europa, nach Japan, Russland, China und Amerika. Weltweit trat sie als gefeierte Solistin mit bedeutenden Orchestern auf, spielte mit namhaften Dirigenten wie Claudio Abbado, Leopold Hager, Mstislaw Rostropowitsch, David Shallon und Jewgeni Swetlanow. Als Kammermusikerin gewann sie mit dem Zehetmair-Quartett und mehreren Trios internationale Preise wie „Record Award of the Year“, „Diapason d’Or“. Die vorliegende Studie, die in Zusammenarbeit mit der Uni Luxemburg veröffentlicht wird, zeichnet die facettenreiche musikalische Karriere der Ausnahme-Cellistin, deren Wirken durch zahlreiche CD-Aufnahmen und Konzert-Mitschnitte von Rundfunkanstalten dokumentiert wird.

Cette présentation porte sur la musique au Luxembourg, présentée sur six posters en français et en allemand par la première cohorte d'étudiants en musique de l'Université du Luxembourg. (1) Le premier poster offre un bref aperçu de l'histoire de la musique au Luxembourg. Les autres posters abordent le thème de l'éducation musicale au Luxembourg sous différentes perspectives. Ainsi, le deuxième poster (2) informe sur des personnalités musicales luxembourgeoises, principalement des compositeurs, qui se sont également distingués en tant que pédagogues musicaux. Le troisième poster (3) présente les institutions pédagogiques qui offrent une formation musicale dans le cadre de l'enseignement général, tandis que le quatrième poster (4) se concentre sur l'enseignement musical spécialisé, c'est-à-dire les écoles de musique publiques et privées. Le cinquième poster (5) met en avant les institutions qui, dans le cadre de leur mission musicale et artistique, proposent également des activités d'éducation musicale dans leur offre. Pour le sixième poster (6), les étudiants sont invités à raconter les expériences qui les ont marqués au cours de leur première année d'études musicales.

This article is a further development of: http://hdl.handle.net/10993/47768.

Mit der Teilung Luxemburgs zu Beginn des 19. Jahrhunderts wird das Land einsprachig. Es verbleibt der luxemburgischsprachige (moselfränkische) Teil. Zum besseren Verständnis der kulturellen Entwicklung Luxemburgs – sie setzt für die musikalische Bildung um die Mitte des 19. Jahrhunderts ein – ist das Wissen um den historischen Kontext unerlässlich. Publikationen erster musikpädagogischer Werke, in der Mehrzahl Liederbücher, werden mit didaktischen Anweisungen eingeleitet, stehen nicht selten unter der Einflussnahme der katholischen Kirche und werden in einschlägigen Publikationsorganen behandelt. Dabei spielt die Bewegung des Cäcilianismus eine herausgehobene Rolle. Der erste spezialisierte Musikunterricht (Instrumentalunterricht und Gesangsunterricht) erfolgt in Privatinitiative, bis im Jahr 1844 der Gemeinderat der Stadt Luxemburg der Gründung der ersten öffentlichen Musikschule im Großherzogtum zustimmt. Die Besetzung von Direktorenposten und Lehrern abwechselnd mit deutsch- und mit französischsprachigen Persönlichkeiten führt zu einem Sonderweg musikpädagogischen Wirkens. Seit dem Jahrhundertwechsel sind die Grundsteine des spezialisierten Musikunterrichts gelegt. Die geographische Nähe zum Pariser bzw. zum Brüsseler Konservatorium führen jedoch überwiegend zur Übernahme der dort vorherrschenden Traditionen. Das Thema des Symposiums 'Das Lehren lernen' bewahrheitet sich hier in der Negation. Angehende Lehrer sind zuerst Musiker, dann Lehrer. Das Erwerben von Expertise erfolgt vielfach durch Lernen in der Praxis. Diese Tendenz setzt sich z.T. bis heute fort. Studiengänge für musikpädagogische Praxis werden in französischsprachigen Ländern sehr spät angeboten und existieren in Luxemburg bis heute nicht. Auf der anderen Seite folgt der Musikunterricht (Gesangunterricht) in Grund- und Sekundarschulen eher der Vorgehensweise in deutschsprachigen Ländern. Die gegenseitige Beeinflussung im Fokus der beiden Traditionen ist in diesem Bereich weniger ausgeprägt. Für meinen Vortrag schlage ich einen historischen Überblick über die Entwicklung der Musikpädagogik in Luxemburg anhand von der Organisation des spezialisierten Musikunterrichts vor. Die Ausbildung der Lehrenden im Bereich der Kirchenmusik gehört als integrativer Bestandteil in den Vortrag mit einbezogen.

https://anossamusica.web.ua.pt/monografias/our_music.pdf

An dësem Virtrag gëtt d’Museksliewen zu Lëtzebuerg säit dem Zweete Weltkrich behandelt, den Opschwong vun der Amateurmusik an der kuerz dono, an d’Community Music an eisem haitege Medienzäitalter. Déi folgend Aspekter stinn am Mëttelpunkt: D’”Gläichschaltung” vum Museks- a Kulturliewe während der nationalsozialistischer Besatzungszäit unhand vum Beispill vun der Dikrecher Philharmonie. Heiru gëtt kloer, dass déi un der Muecht sech dacks ouni Erfolleg ëm d’Gonscht vun der musizéierender Bevëlkerung beméit hunn a mat wéi engen drastesche Mëttelen si Veräiner begéint sinn, déi net noginn hunn. Am musekssoziologeschen Deel vun der Konferenz gëtt d’Museksveräinsliewen nom Zweete Weltkrich thematiséiert. Den Neiufank no de Krichsjoren huet de Veräiner eng nei Beléiftheet bruecht, déi souguer déi aus der Grënnungszäit iwwertraff huet. Dozou koum, dass d’Aarbechter aus den Industriegebidder am Süde vum Land an de Museken an de Chéier en intellektuellen Ausgläich zu hirer kierperlecher Aarbecht fonnt hunn. De kënschtlereschen Niveau vun de verschiddene Gesellschafte gouf zu engem iwwerregionale Virbild. D’Enn vun der Stolindustrie an den 1980er Jore war och d’Enn vu ville Museksgesellschaften, wéi zum Beispill der Déifferdenger Harmonie Municipale ënnert der Direktioun vum Asca Rampini. Säitdeem huet sech d’Museksliewen ëmmer méi dezentraliséiert. Et gouf versicht, des batter Erfarung mat enger prononcéierter musikalescher Bildung wettzemaachen, wat dozou gefouert huet, dass souguer an den entleeënsten Ecke vum Land Musekscoursen ugebuede goufen. Des Entwécklung huet eng Dezentraliséierung vum ganze Kulturliewen zu Lëtzebuerg matsechbruecht, e weideren Aspekt, deen dëse Virtrag behandele wäert.

This essay was written at a time when the coronavirus crisis was at its height. For many peo-ple being confined to their homes is a new experience in their lives. There is hardly anyone on the street. The soundscape outside changes, and we experience for the first time what silence means. No one knows how this crisis will end, but among all the negative consequences that humankind will have to face there will be a positive outcome too – it will sharpen the eyesight for new offers and opportunities in delivering knowledge, also for music education

IGEB Biographies, Volume 3 – The present book is the third volume in the IGEB Biographies series. It consists of the written contributions of twelve papers presented during the IGEB conference in Wadgassen/Germany in 2018. They deal with personalities and their work in connection with wind music. IGEB-Biographien, Band 3 – Das vorliegende Buch ist der dritte Band der Reihe IGEB-Biographien. Er beinhaltet die Verschriftlichung von zwölf Vorträgen, die während der IGEB-Konferenz in Wadgassen/Deutschland 2018 gehalten wurden. Sie behandeln Persönlichkeiten und ihr Wirken in Zusammenhang mit Blasmusik.

Cul­tural her­it­age is an in­teg­ral part of Hun­garian music edu­ca­tion. Folk tra­di­tions and folk songs are taught in every school, from the cap­ital city to the smal­lest vil­lages. Thou­sands of songs were col­lec­ted by Zoltán Kodály and Béla Bartók, who ad­op­ted them in their clas­sical com­pos­i­tions. With this they earned fame for Hun­garian folk music and tra­di­tions. Zoltán Kodály also com­posed a series of music read­ing ma­ter­i­als, mainly based on folk songs, which is cur­rently used on all levels of Hun­garian music edu­ca­tion. Not only the Kodály concept, but the Táncház-method was also se­lec­ted in the Re­gister of Good Safe­guard­ing Prac­tices of UN­ESCO Cul­tural Her­it­age. In our di­gital age, the net-gen­er­a­tion, un­like the pre­vi­ous stu­dent pop­u­la­tions, can have dif­fer­ent habits, which is the reason why stu­dents’ music skills were tested with tech­no­logy-based meth­ods and tools. They are sur­roun­ded by pop­u­lar media; however, the value that folk tra­di­tion of­fers should be in­ev­it­able in their edu­ca­tion. The find­ings of our re­search provides input for the edu­ca­tional sys­tem about Hun­garian stu­dents’s music lit­er­acy, and their fa­mili­ar­ity with its vari­ous ele­ments, es­pe­cially with cer­tain com­pon­ents of their cul­tural her­it­age.

Martin Straus (1946-2019) was one of the music educators of the last decades who attracted attention beyond Luxembourg with his new creative and innovative ideas. His work “Music – Playing with Sound“ which was developed in cooperation with a teacher and a second teacher, is based on a “parameter concept“, in which the six musical parameters – tone color, form, rhythm, dynamics, melody and harmony – are connected to the six activities of singing, playing, moving, composing, listening, recording/understanding so that it results in 36 points of contact for didactic-methodical considerations. The visual symbol is the “Klangmännchen“ (« little sound man“), a cephalopod figure, which, much as a soap bubble, you can see, but which you cannot hear. From this elementary direction of thinking, the “Luxembourg Model“ works well for both non-specialist teachers in the elementary field and for advanced music lessons in general education schools. The first scientific studies have shown that it is also of practical use in special needs education programs. The concept “Music – Playing with Sound“ is suitable for multi-perspective lessons using examples of music from the past and the present as well as for pedagogical challenges in the areas of inclusion and integration.

The practice of music lovers is based on leisure activities. But many other components could be grouped from a perspective of community music. First, it seems that it is totally dissociated from traditional methods of musical learning of a formal or non-formal nature. However, it would preferably be linked to informal education. Music in the community is presented as a counter-phenomenon to the highly professionalised musical culture (Lichtinger, 2013). The term ‘community music’ is perfectly appropriate to trace the process of a musical education of young people that often begins with an amateur phase to lead later to the professional life for the most skilled, either to describe the musical training and life of young amateurs, or to trace the life of amateur musicians throughout the life of these musicians. I will present definitions for each of the three training aspects. Next, I will relate the two concepts – that of the three aspects of musical formation and that of music in the community – by giving examples of widespread musical practice, namely wind music (and / or choral) to finally compare models of musical learning.

The author, Karlheinz Weber is one of only a few orchestral musicians and teachers who also approaches his instrument scientifically. The book, a reference work, has now been published in its fifth edition. The subdivision into three main chapters is logically coherent. With 148 pages, the most comprehensive first chapter deals with the trombone’s development in a broad historical context, beginning with Ancient Egypt.

Article on request by the editor: partial translation of "Von Feuerwagen und Straßen aus Eisen. Musik als Bildungsauftrag in Sachen Geschichte", cf. http://orbilu.uni.lu/handle/10993/18778, translated by Lipócziné Dr. Csabai Sarolta & Dominekné Nagyhegyesi Mónika

The spiritual power of music or secular power of spiritual musicians. Ceacilianism and Papism in Luxembourg In my contribution, I will describe the ceacilianism in Luxembourg as a movement which, for the liturgy, not only wanted to restore what already had been considered survived for centuries in the history of music, but which was undoubtedly able to exercise power not only on composers of liturgical music, but also on spiritual dignitaries. My paper is based on my recent publication in two volumes on the correspondence of Luxembourg religious dignitaries and musicians with Franz Xaver Witt, one of the main protagonists of the movement.

Vom 18. bis 20. November 2016 fand an der Universität Würzburg in Zusammenarbeit mit der Internationalen Leo-Kestenberg-Gesellschaft (IKG) ein von der Deutschen Forschungsgemeinschaft (DFG) unterstützter internationaler Kongress zum Thema Vom ersten Internationalen Kongress der Gesellschaft für Musikerziehung in Prag 1936 bis 2016 – Ein Beitrag zum Diskurs über »cultural heritage« statt. Die hier in Auswahl publizierten Vorträge folgen dem Programm des Würzburger Kongresses, an dem Referenten aus Deutschland, Frankreich, Luxemburg, Tschechien und der Schweiz sowie aus Israel und Kanada teilnahmen. Die Autoren der Beiträge für den vorliegenden Band sind Friedhelm Brusniak, Karl Heinrich Ehrenforth, Andreas Eschen, Mechtild Fuchs, Jiřina Jiřičková/Jan Prchal, Helmke Jan Keden, Philip A. Maxwell, Franz Metz, Christoph Richter, Thomas Rösch, Anna-Christine Rhode-Jüchtern, Damien Sagrillo, Dietmar Schenk, Josef Schuster, Pascal Terrien/Angelika Güsewell/Rym Vivien.

Als Guido von Arezzo vor einem knappen Jahrtausend mit der Erfindung des Liniensystems aufwartete und Tonsilben aus den Angangsbuchstaben des Johannes-Hymnus ableitete, revolutionierte er damit die musikalische Bildung: Er ersetzte absurdes Auswendiglernen von (Kirchen-)Gesängen durch eine erlernbare, mechanische Lesetechnik. Er konnte wohl nicht ahnen, dass nach fast tausend Jahren „seine“ Methode immer noch Anwendung findet. In meinem Vortrag werde ich aufzeigen, wie Solfège, zum einen, durchaus musikästhetisch verortet ist, während, auf der anderen Seite, eben diese Methode der mechanischen Lesbarkeit, bar jedes musikästhetischen Anspruchs, den Musikpädagogen Kopfzerbrechen bereitet.

Von der Alta Cappella (bzw. den Stadtpfeifern) zum heutigen Blasorchester ist es ein weiter Weg und dies gleich in mehreren Hinsichten. Dazwischen liegen nicht nur Jahrhunderte, sondern auch die Entwicklung neuer Instrumente sowie der Wandel von Ansprüchen, Geschmäckern und Funktionalitäten. Letztere waren von Beginn an geprägt durch zeremonielle, protokollarische und repräsentative Verpflichtungen. Zumindest seit dem durch die Mediamorphose (s. Kurt Blaukopf) eingeleiteten Zeitalter hat der Funktionsbezug von (Blas)musik eine radikale Änderung erfahren. Die Erwartungshaltung von Musikern – hauptsächlich aus dem Amateurbereich – und dessen Publikum machen aus Gestaltern von Konzertprogrammen Getriebene. Konzerte ähneln Fernsehshows mit Glitzer und Nebelmaschinen; Programme hinken dem musikalischen Mainstream hinterher. Zudem hat der fragwürdige Drang der nach wirtschaftlichem Gewinn strebenden Editionshäuser zu immer neuen Stücken den Schreibstil der meisten zeitgenössischen Komponisten vereinheitlicht, verflacht und inhaltsleer werden lassen (nur wenige unter ihnen haben sich einen persönlichen Stil bewahren können), während wertvolle blasmusikalische Tonschöpfungen in verstaubten Archiven ein hoffnungsloses, auf Vergessenheit ausgerichtetes Dasein fristen. Dieser Prozess ist keineswegs geplant, sondern schleichend; er wird als der Sache angemessen hingenommen und selten kritisch hinterfragt. Der Vortrag zielt nicht nur darauf ab, eine Historiographie dieser Entwicklung anzubieten, sondern auf die Auswüchse, Konsequenzen und Gründe, denen sich Blas- und Militärmusik heute ausgesetzt sehen, zu sprechen kommen. Dabei soll die Entwicklung in Luxemburg keineswegs als Alleinstellungsmerkmal hingestellt, sondern als Beispiel für andere Regionen und Länder herangezogen werden.

During the last decades of wind music research, a few publications focussed on terminology. Elmar Walter wrote a dissertation about Blas- und Bläsermusik. In his talk at Oberwölz, Raoul Camus stated: “A band is a Band is Band”. However, he seemed to hesitate because he referred to Joseph Manfredo who, in his awarded dissertation, asked: “What is a Band?” In my lecture, I will bring this topic to the fore again and deal with the terminology used to designate a group of wind instruments, and I will come up with some suggestions for definitions. I will try to find an answer to questions such as: When is a band a symphonic band, or even a symphonic wind ensemble or “only” a community band? When I say: “I will try to find an answer”, I must admit that I cannot guarantee to find an acceptable one: Are these terms filled with a substance – what makes the difference? – or are they simply a grandiloquent absurdity? Do pretentious terms refer to “better” musicians or music? I will present my paper in English, but I will also deal with band designations in German, in French and my native language – Luxembourgish.

Tandis que le concept de l’apprentissage formel, non-formel et informel est supposé connu en ce qui concerne ses orientations générales, il en est moins pour la pédagogie musicale. Sa vue sous différents angles, notamment sous l’optique de la musique pour amateurs, fera l’objet de ma communication. De l'autre côté, le concept de musique dans la communauté est emprunté de l’anglais « community music ». Celui-ci signifie que la pratique des amateurs de musique est fondée sur des activités de loisir. Mais il existe bien d’autres volets qui pourraient être regroupés sous la perspective d’une musique dans ou par la communauté. D’abord il semble qu’il est totalement dissocié des méthodes traditionnelles d’apprentissage musical de nature formelle ou non-formelle. Mais il serait plutôt lié à une éducation de nature informelle qui, cependant, ne peut pas être mise en relation avec l’autodidactie. Des approches récentes la voient en rapport avec l’inclusion et la participation réalisée dans un milieu associatif et comme moyen de surmonter l’obstacle qui existe entre la pédagogie musicale traditionnelle et les exigences de la communauté musicale. De l’autre côté, la musique dans la communauté se présente comme un contre-projet face à la haute culture musicale professionnalisée (Lichtinger 2013). En ce qui concerne le terme de « community music », il n’existe pas de traduction littérale française. Cependant, il est parfaitement approprié de retracer le processus d’une éducation musicale des jeunes qui commence souvent par une phase amateur pour mener par après à la vie professionnelle pour les plus doués, soit pour décrire la formation et la vie musicale des jeunes amateurs, soit pour retracer la vie de musicien amateur tout au long de la vie de ces musicophiles. Dans ma communication, je présenterai des définitions pour chacun des trois aspects de formation musicale n’ignorant pas que surtout pour l’éducation musicale de type non-formel il n’existe pas de consensus. Ensuite, je mettrai en relation les deux concepts – i.e. celui des trois aspects de formation musicale et celui de la musique dans la communauté – en donnant des exemples d’une pratique musicale très répandue, à savoir la musique à vent (et/ou chant choral) pour enfin comparer des modèles d’apprentissage musical tels qu’ils existent et sont appliqués dans différents pays européens liés à cette tradition.

The present compilation of abstracts and biographies contains all texts received before June 15th, 2018. The translations have been provided by each author. Texts and translations are the sole responsibility of the authors and not of the editors. Automated translations have been removed. We ask for your understanding. It also contains the guidelines for the confernce book ALTA MUSICA (p. 172 – 175).

Friedhelm Brusniak will have duly celebrated his sixty-fifth birthday with birthday cake, sparkling wine and other culinary delicacies in the family. The present academic birthday cake is addressed to the friend and colleague Friedhelm Brusniak in recognition of his life achievement. The authorship is composed of companions with whom Friedhelm Brusniak, on the one hand, was, closely connected during his long career as a scholar, and, on the other hand, with fellow researchers, he came later into contact as a networker in the international context. For the editor, it was important that the academic freedom of every one should be respected and that no restrictions should be imposed on the authors. The 21 articles, in four languages – German, English, French, Italian – are published in alphabetical order of the authors. (The only exception are the texts by Andreas Eschen and Anna-Christine Rhode-Jüchtern. They are related and printed successively.) The authors come from Germany, France, Great Britain, Italy, Luxembourg, Austria, Poland, Slovenia, Hungary and the United States of America. The portrait at the beginning of the book was drawn by Barbara Plattner. The articles are preceded by four greeting messages, including a sounding one composed by longtime friend Heinz Werner Zimmermann. Although ordered without a thematic context, the contributions reflect the considerable spectrum of the long-standing scientific work of Friedhelm Brusniak. In addition to his ambitious work as a university professor and scholar, he did never refrain from accepting additional responsibilities, e.g. from 1994 to 2002 as President of the German Mozart-Society and from 2009 to 2013 as the first chairman of the Hermann Zilcher Society. The texts in connection with Leo Kestenberg occupy a large part of the book. This will be noted with satisfaction by Friedhelm Brusniak, president (since 2012) of the International Leo-Kestenberg-Society. Furthermore, the reader will find texts on choral, wind and amateur music research ("community music") as well as on questions of music education in a historical context and an empirical perspective. Also, the contributions cover a timeframe of more than 400 years. They deal s.l. with cultural heritage in a multi-faceted Europe and beyond. Finally, the essays with a philosophical-religious background and in connection with Freemasonry should be emphasized do not stand alone but should be considered as an integrative part. The editor is particularly satisfied and grateful from coming personally in contact with Karl-Heinrich Ehrenforth, the esteemed colleague and friend of Friedhelm Brusniak, and that Prof. Ehrenforth probably provided his last publication to this Festschrift. After his death, his daughter, Christiane Ehrenforth, granted permission to publish. Friedhelm Brusniak’s affinity for interdisciplinarity was met more unconsciously than consciously. He uses the term "interface research"! This has been the case for biography research since his employment with Conrad Rein as well as for musicological research from his home region Waldeck. This is especially true for choral music research, which became his central field of scholarship at the beginning of the nineties. Friedhelm Brusniak comes from a family wind musicians. In the research efforts of the International Society for the Research and Promotion of Wind Music (IGEB), he recognised the congeniality to choral music research, s.l. "community music". For many years now, his contributions to IGEB conferences have received much attention. Conversely, Friedhelm Brusniak received, since the beginning of the eighties, the decisive impulses from the IGEB under Wolfgang Suppan, which he was able to transfer to choral music research and to the Singer Museum in Feuchtwangen, where he serves as a scientific head. As a trained music educator and chair of the Department of Music Education at the University of Würzburg, Friedhelm Brusniak maintained European and international partnerships with music pedagogues, initially in the Arbeitsgemeinschaft Süd (AG Süd) and then in the Forum of European Music Pedagogy (FEMP). His connection with Luxembourg, at the intersection of French and German music pedagogic traditions, was a matter of concern to Friedhelm Brusniak. He was particularly inspired to detect and expand European networks. Please refer to Martin Straus, who provides a more detailed glimpse in the following article. The number of non-German authors is an impressive proof of Friedhelm Brusniak’s constant and interesting view across the borders of his country and his successfully established and maintained contacts.

Die vorliegende Veröffentlichung ist ein Ergebnis dreier Forschungsprojekte, darunter hauptsächlich „Musikgeschichte in Luxemburg“. Es wurde in den Jahren 2012- 2015 unter der Leitung von Damien Sagrillo durchgeführt und von der Universität Luxemburg finanziert. Mit der staatlichen Unabhängigkeit Luxemburgs im 19. Jahrhundert und der Errichtung eines Bischofsitzes im Jahre 1870 hat sich, neben der weltlichen, zudem die Kirchenmusik in Luxemburg etabliert. Die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts ist geprägt durch die kirchenmusikalische Reformbewegung des Cäcilianismus, der seinen Niederschlag auch in Luxemburg hauptsächlich in der Person Heinrich Oberhoffers fand. Im vorliegenden Band wird der Briefwechsel zwischen Oberhoffer und dem Hauptvertreter des Cäcilianismus Franz Xaver Witt als Faksimile und in transkribierter Form erstmals veröffentlicht. Vorangestellt sind biographische Skizzen von Witt und Oberhoffer sowie eine Einführung in den Cäcilianismus. Die Studie ist nicht nur für den Cäcilianismus luxemburgischer Prägung von Belang, sondern versteht sich außerdem als Anregung für weitere Forschungsanstrengungen im Zusammenhang mit katholischer Kirchenmusik zwischen 1850 und 1900.

Die vorliegende Veröffentlichung ist ein Ergebnis dreier Forschungsprojekte, darunter hauptsächlich „Musikgeschichte in Luxemburg“. Es wurde in den Jahren 2012- 2015 unter der Leitung von Damien Sagrillo durchgeführt und von der Universität Luxemburg finanziert. Mit der staatlichen Unabhängigkeit Luxemburgs im 19. Jahrhundert und der Errichtung eines Bischofsitzes im Jahre 1870 hat sich, neben der weltlichen, zudem die Kirchenmusik in Luxemburg etabliert. Die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts ist geprägt durch die kirchenmusikalische Reformbewegung des Cäcilianismus, der seinen Niederschlag auch in Luxemburg hauptsächlich in der Person Heinrich Oberhoffers fand. Im vorliegenden Band wird – ergänzend zu Band 1, in welchem der Briefwechsel zwischen Heinrich Oberhoffer und Franz Xaver Witt thematisiert wurde – der Briefwechsel mit Witt im Zusammenhang mit Luxemburg als Faksimile und in transkribierter Form erstmals veröffentlicht. Vorangestellt sind biographische Skizzen von Witt und den Briefautoren in Zusammenhang mit Luxemburg, sowie eine Einführung in den Cäcilianismus. Die Studie ist nicht nur für den Cäcilianismus luxemburgischer Prägung von Belang, sondern versteht sich außerdem als Anregung für weitere Forschungsanstrengungen im Zusammenhang mit katholischer Kirchenmusik zwischen 1850 und 1900.

cf. attachment

Interview with educational researcher, Damien Sagrillo Linked to the Academy’s research program, and organised by the MTA-ELTE Visual Culture Research Group, a scientific conference with an evaluation system and an English-language series of workshops were held between 22-24 June 2017 for the educators, researchers and teacher training specialists of the four arts disciplines (drama, dance, visual arts and music) and of children’s and youth culture. One of the lecturers of the conference was Professor Damien Sagrillo of the Faculty of Language and Literature, Humanities, Arts and Education at the University of Luxembourg.

In den folgenden Zeilen wird es darum gehen, die beiden Persönlichkeiten Leo Kestenberg und Marcel Landowski vorzustellen, ihr Lebenswerk zu beleuchten, zu vergleichen und mit dem ungarischen Komponisten, Musikethnologen und Musikpädagogen Zoltán Kodály in Zusammenhang zu bringen. Im Vordergrund wird aber immer Marcel Landowski stehen, da von ihm in deutscher Sprache bis jetzt so gut wie nichts vorliegt. Obschon in ihren Ländern durchaus als Musiker und Wegbereiter der Organisation des Musiklebens anerkannt, sind Kestenberg und Landowski, im Gegensatz zu Zoltán Kodály, in den jeweilig anderen Ländern so gut wie unbekannt. Eine vergleichende Studie bietet sich demnach an. Dennoch kann sie nicht komplett sein, sondern Anregung sein für weitere Nachforschungen über Organisation musikalischer Bildung und deren politischen Hintergrund in den an dieser Stelle behandelten Ländern bzw. in den europäischen Nationen überhaupt. In the following lines, I will present the two personalities of Leo Kestenberg and Marcel Landowski; I will describe their life-work and relate it to Zoltán Kodály, the eminent Hungarian composer, ethnomusicologist and music pedagogue. However, the study will be based on Marcel Landowski, because, until now, no German documents are dealing with his life and achievements. Although acknowledged in their countries as musicians and of music organisers, Kestenberg and Landowski are not known in the respective other country. On the other hand, Zoltán Kodály is recognised worldwide. It is for this reason that a comparative study is necessary. Nevertheless, this paper cannot be complete but should be a motivation for further research about the organisation of music education, the organisation of music including the political background in the countries presented in this document or the larger context of European nations.

Former German minister of the interior Otto Schily highlighted: “Anyone who closes music schools jeopardizes inner security.” In his large study at primary schools in Berlin at the end of the 1990th, Hans Günter Bastian found out that common music practice and extended music education can lead to more social competence. In my lecture, I will give three examples of how music making cannot only avoid violence and criminality, but can also contribute to well-being among like-minded people. 1) The movie The Choir (les choristes) is a perfect demonstration, how common singing is able to weld together an initial heterogenous group of difficult educable children living in institutions of care 2) El Sistema is a famous programme for children in Venezuela financed by the state with the main objective that “music has to be recognised as an agent of social development” as José Antonio Abreu, its initiator highlights. 3) In my last year’s lecture, I presented my mail choir with an age average beyond 70 years. Recently I published a study on interviews conducted with the choristers to find out their views of social well-being."

In his book „The Limits of Interpretation” (Bloomington, Indiana University Press, 1991) Umberto Ecco distinguished between the research of intentio operis and the subordination of a text to the intentio lectoris. In the first case is meant the “interpretation” of the text and in the second Ecco speaks of “using the text”. The importance of this thesis is that the intentio lectoris is at the origin of music education. Transferred to music one should consider the term intentio auditoris. If apprentices must be motivated to alter their intentio auditoris up to an intentio operis, they should take the opportunity to make the connection of their own intentionality with music, e.g. they must try to modify the subject. This is a crucial task for the music teacher. The importance of electronic media and new technologies are regularly at the center of research projects at European levels. The music teacher’s identity and his/her professionalism have to detect this distance between intentio auditoris and intentio operis (the latter having been trained during the studies) and work with conviction to reduce this distance. In addition s/he will justify and critically scrutinize at any time to him/herself and to the students the impact of his/her educational activities. The objective of my text is to portray the identity of music teachers from a European perspective, on one hand, by distinguishing between countries focusing more or less on the German tradition (the teacher as a musician), and, on the other hand, countries preferring the system as it applies on the francophone (the musician as teacher) or Anglo-Saxon countries. In general, identifying avenues for mutual enrichment between different traditions will be a goal of further research about cultural heritage. Identifying tracks for promoting a mutual cross-fertilization between and an understanding of different traditions will on the focus of this kind of activities.

Wa mer iwwer eng Lëtzebuerger Museksgeschicht nodenke wëllen, musse mer fir d'éischt iwwer d'Leit schwatzen, déi des Geschicht duerch hiert musikalesch Wierken gepragt hunn. A mengem Virtrag kommen deemno niewe Musekerperséinlechkeeten an hire Wierker och Tendenzen zur Sprooch, déi mat der Hëllef vun dem Lexikon, den elo virleit, erausgeschafft kënne ginn. Niewe reng musekshistoresche Faite spillen och regionalgeschichtlech motivéiert soziologesch Tendenzen eng Roll. (Konferenz mat extraiten vun Musekstecker) op lëtzebuergesch.

I will present the two personalities of Leo Kestenberg and Marcel Landowski; I will describe their life-work and relate it to Zoltán Kodály, the eminent Hungarian composer, ethnomusicologist and music pedagogue. However, the study will be based on Marcel Landowski, because, until now, no German documents are dealing with his life and achievements. Although acknowledged in their countries as musicians and of music organisers, Kestenberg and Landowski are not known in the respective other country. On the other hand, Zoltán Kodály is recognised worldwide. It is for this reason that a comparative study is necessary. Nevertheless, this paper cannot be complete but should be a motivation for further research about the organisation of music education, the organisation of music including the political background in the countries presented in this document or the larger context of European nations.

Bei diesem Buch handelt es sich um ein Lexikon anderer Art: Es informiert – je nach Quellenlage oft sehr ausführlich und mit Zitaten von Zeitgenossen oder Nachfahren versehen – über Luxemburger Komponisten und Interpreten. Der Zeitraum 1815-1950 für den 1. Band bot sich aus folgenden Gründen an: 1815 entstand der Luxemburger Staat durch den Wiener Kongress (1814-1815). 1950 steht für einen Einschnitt bzw. Neubeginn in den ersten Nachkriegsjahren nach dem Zweiten Weltkrieg und kennzeichnet die Jahrhunderthälfte. In Bezug auf die Geburtsjahrgänge der Musiker, die eine Periode von 1773 bis 1914 umfassen, könnte man vom Langen 19. Jahrhundert (1789-1914) sprechen. Die Musiker, die nach 1914 geboren wurden, werden in dem 2. Band des Musikerlexikons vorgestellt werden.

Die Idee der deutschen Militärmusik als "kulturelle(r) Botschafter der Bundesrepublik Deutschland im internationalen Bereich" lässt sich durchaus auf andere Bereiche von Kultur übertragen: In Deutschland und anderen (europäischen) Ländern sind Militärmusiken Spiegel von Traditionen, die es gilt, gegenüber einem globalisierten Mainstream auch in der Blasmusik zu bewahren. Als Beispiel lässt sich dies an einem Konzert des Siegburger Musikkorps der Bundeswehr festmachen. Hier wird dem Zuhörer typisch deutscher Blasorchesterklang geboten. Dies gilt auch in Ländern Südeuropas wie z.B. Frankreich, Spanien oder Italien, wo auf nationale Traditionen bewusst Wert gelegt wird. Je nördlicher man indes nach Europa vordringt, desto globalisierter klingen Militärorchester. Das gleiche gilt oft auch für Amateurblasorchester bis hin zu höchsten Leistungsklassen und zwar europaweit. Der "Musikbegriff" wird im Bereich der Blasorchestertradition mit kultureller Überlieferung in Zusammenhang zu bringen sein. Seit dem Jahre 2003 führt die UNESCO in Erweiterung der Programme „Weltkulturerbe“ und „Dokumentenerbe“ ein Abkommen ein, welches die Bewahrung immateriellen Kulturguts vorantreiben soll. Im Rahmen menschlicher Ausdrucksformen kommt der Musik eine herausgehobene Rolle zu. In meinem Vortrag wird es zunächst darum gehen, im Sinne der UNESCO, neben dem von der kulturellen Überlieferung her geprägten Musikbegriff die Kriterien zur Abgrenzung zwischen lokalen, regionalen, nationalen und europäischen Blasmusiktraditionen gegenüber einer globalisierten (amerikanisierten) Massenkultur zu liefern. Mit Beispielen soll schließlich unterfüttert werden, wie, einerseits, Massenkultur kommerziell propagiert wird und wie, andererseits, immaterielle kulturelle Überlieferung gefährdet ist und nur durch öffentliches bzw. selbstloses privates Engagement bewahrt werden kann.

Abstracts Buzas, Sagrillo, Steklacs 1. Solfège and Musical Sight Reading Skills in a European Context 2. Eye tracking technology, as a new research field of education and methodology 3. How does the eye read music? – Eye movement and information processes during music reading in age 10-14. Results of an Eye Tracking Test in Germany, Hungary and Luxembourg 4. Solfège as a Reason for the Drop Out of Music School Pupils Deutsch Die vorliegende Zusammenfassung resümiert die vier obengenannten Artikel. Sie liegen einem Forschungsprojekt zugrunde, welches die musikalische Lesefähigkeit bei Schülern zwischen 10 und 14 Jahren zum Gegenstand hat und welches in Luxemburg, Deutschland und Ungarn durchgeführt wurde. Die Ursprünge der musikalischen Bildung liegen in China, Ägypten und Griechenland. Ein wichtiger Meilenstein ist jedoch Guido von Arezzo, der Erfinder der Solmisation zur besseren Lesbarkeit von musikalischen Texten. Der erste Artikel wird sich mit der weiteren Entwicklung von Guidos Konzept auseinandersetzen und aufzeigen, wie es sich über weite Teile Europas verbreitete und so zu einem Beispiel europäischen kulturellen Erbes wurde. Die Eye-Tracking-Technologie entwickelt sich immer mehr zu einem modernen methodologischen Instrument, welches in den verschiedensten Bereichen einsetzbar ist, i.e. Wirtschaft, Psychologie, Pädagogik, Erforschung des Sehsinns. Eye-Tracking ermöglicht es dem Forscher, mehr über die kognitive Entwicklung von schulischem Lernen, von Lesen, von Informationsverarbeitung und von Problemlösestrategien zu erfahren. Während des Tests wurden den Schülern je drei Beispiele von Rhythmusübungen und von Melodieübungen (von Zoltán Kodály) am Computerbildschirm gezeigt. Nach einer Minute stillen Lesens mussten die Aufgaben aufgesagt/geklatscht bzw. gesungen werden. Die Resultate legen den Schluss nahe, dass das Wissen um/von musikalische(n) Muster(n) die Dauer und Genauigkeit des Musiklesens nachhaltig beeinflusst. Zudem konnten Unterschiede zwischen Jungen und Mädchen festgestellt werden. Die Forscher konnten jedoch keine signifikanten Unterschiede zwischen Schülern aus den drei verschiedenen Ländern ausmachen, obwohl die Unterrichtsmethoden und -traditionen (Kodály-Methode, französische Solfège-Methode bzw. weitere, weniger auf Singen ausgelegte Traditionen) in den drei Ländern erheblich voneinander abweichen. Diese Tatsache würde die Annahme zulassen, dass „universellere Indikatoren“ musikalischen Lesens existieren. Mithilfe von sog. „Wärmekarten“ (heat maps) ist es den Forschern sodann möglich, die Lesefähigkeit von Schülern zu untersuchen und bestimmte Elemente musikalischer Syntax, die ihnen Schwierigkeiten bereiten, zu erkennen. Des weiteren können mögliche Zusammenhänge zwischen Sprachen- und Musiklesen analysiert werden. Im vierten Artikel beschreibt Damien Sagrillo die Situation der Musikschulausbildung in Luxemburg, Deutschland und Ungarn unter dem Blickwinkel von Vor- und Nachteilen eines jeden Systems und unter Zuhilfenahme von quantitativen und qualitativen Begebenheiten. Français Ce texte résume les quatre articles mentionnés ci-dessus. Ils sont le résultat d’une recherche entreprise avec des étudiants d’écoles de musique entre 10 et 14 ans au Luxembourg, en Allemagne et en Hongrie. Ils ont participé à un test de suivi du regard. L’objet était d’explorer les caractéristiques de lecture à vue musicale. Les racines de l’histoire de l’éducation musicale se situent en Chine, en Egypte et en Grèce. L’étape la plus importante, cependant, remonte à Guido d’Arezzo qui a inventé la solmisation, une méthode facilitant la lecture de la musique. Le premier article présentera son développement en analysant comment le concept de Guido s’étendit à l’Europe et est devenu exemplaire pour un patrimoine culturel européen. La technologie du suivi du regard est en train de devenir un outil méthodologique moderne qui est utilisé dans des domaines de recherche multiples, tels que commerce, psychologie, éducation et recherche de la vision. Cette technologie permet au chercheur de mieux comprendre le développement de l'apprentissage cognitif de l’élève, la lecture, le traitement de l'information ou les stratégies de résolution de problèmes. Pour le test, les élèves ont dû résoudre six exercices musicaux (trois lectures rythmiques et trois exercices de chant de Zoltán Kodály) qui ont été affiché sur un écran d'ordinateur. Après une minute de lecture silencieuse, ils ont été demandés de chanter les extraits. Les résultats laissent penser que la connaissance de motifs musicaux exerce une influence non négligeable sur la durée et sur l’exactitude de la performance musicale. Des différences entre garçons et filles peuvent aussi être décelées. Toutefois, les chercheurs n’étaient pas en mesure de détecter des différences significatives entre les élèves qui étudient la musique dans différentes traditions et avec des méthodes différentes (Kodály, système de solfège français ou éducation musicale invoquant moins l’aspect vocal). Ce constat donnerait lieu à la conclusion qu’il existerait des indicateurs plus « universels » en relation avec le développement de la lecture musicale. Avec l'aide de cartes de chaleur, les chercheurs sont capables de distinguer comment certains éléments de syntaxe musicale sont difficiles à résoudre par les élèves et comment ces derniers assimilent des stratégies de lecture. Un autre objectif est d'examiner des relations possibles entre le développement de la lecture de langues et de musique. En s’appuyant sur des données quantitatives et qualitatives, Damien Sagrillo décrit dans le quatrième article la situation de l'apprentissage musical en Allemagne, en Hongrie et au Luxembourg, en mettant l’accent sur les points forts et les problèmes éventuels de chaque système. English This abstract resumes the four articles mentioned above. They result in a research conducted with 10 to 14 years old student’s music reading skills with eye tracking in music schools in Luxembourg, Germany and Hungary. The aim was to explore the characteristics of music-readers. The history of music education can be traced back to ancient China, Egypt and Greece. The most significant milestone, however, goes back to Guido of Arezzo, who invented a new method for reading music, the solmisation. The first article will present this development in tracking back how Guido’s concept spread over Europe and became an example of European cultural heritage. Eye-tracking is becoming a modern methodological tool that is used in multiple research areas, from commercial usability to psychology, education or vision research. This technology enables the scholar to learn more about the development of the student‘s' cognitive learning, reading, information processing or problem-solving strategies. During the test, the students were given six musical examples (three for rhythm reading and three for singing from Zoltán Kodály). They were displayed on a computer monitor. After a one-minute silent reading, the children were asked to perform the excerpts. The results suggest that the knowledge of musical patterns strongly influences the duration and accuracy of a musical performance. Differences between boys and girls can also be revealed. However, the researchers could not detect significant differences between students studying music in different traditions and with different methods (Kodály, French solfège system or no singing at all). This would lead to the conclusion that there occur more 'universal' indicators about music reading development. With the help of heat maps, the researchers discriminate certain elements of musical syntax that are difficult for students, and they also find examples of reading strategies. A further aim is to examine possible relationships between the development of language reading and music reading skills. In the fourth article, Damien Sagrillo describes the situation of music school learning in Luxembourg, Germany and Hungary with a focus on problems and strengths in each system which will be underpinned by both, quantitative and qualitative facts.

This article describes the situation of music learning in Germany, Hungary and Luxembourg with a focus on problems and strengths in each system. This will be underpinned by both, quantitative and qualitative arguments.

Im Sinne von Leo Kestenberg versammelt dieser Band Beiträge, die sich mit aktuellen Tendenzen und Problemfeldern der historischen und der gegenwärtigen Musikpädagogik befassen. Dies erfolgt im Wissen um musikalische Bildung, welche in ihren verschiedenartigsten Ausprägungen einen wichtigen Bestandteil des immateriellen kulturellen Erbes Europas bildet. Aufgenommen wurden daher nicht nur Texte, die sich mit Leo Kestenbergs Wirken befassen, sondern auch solche, die musikalische Bildung im europäischen Kontext zum Thema haben. Es ist nicht zuletzt Kestenberg zu verdanken, dass Musikpädagogik im europäischen bzw. im globalen Rahmen zum ersten Mal im Jahre 1953 anlässlich einer internationalen Konferenz der UNESCO diskutiert wurde.

This paper investigates the relationship between men and women in folksong texts. But it does neither deal with a repertoire that reflects the views of men over women, nor with a depiction of women in folk songs. Nevertheless, it begins with the latter aspect in mentioning from a folkloric viewpoint a relationship in using embellished and trivialized metaphors. These types of folksongs are by no means characteristic for a repertoire, similar over language barriers. Most folk songs address in a more or less neutral way the cohabitation between man and women. The inversion of gender roles is broadly represented. The description of folk songs about gender concepts concludes the article.

Young @ Heart. Choir Singing and Health The culture of amateur choral music has a long tradition in most countries of Europe. Choral societies grew up in the middle of the 19th century, and members were young enthusiasts. Following the end of WW II glee clubs seemed to experience its renaissance that lasted until the seventieth. The decline of choir singing began, at least in my country – Luxembourg, about two decades ago, and today choir singing has become a pastime for elder people. In the past, the social aspect of corporate music-making in the area of amateur activities was an important argument of people coming together. Today, the claim for shared cultural activities is replaced by social media and networks, which gain in acceptance already among the older generation. Singing has become a matter of elderly persons. Health issues become more important: Common singing furthers concentration, overcomes isolation, is a continuous support for manifold forms of therapies. My lecture will give an insight into a leisure activity that combines hard work and musical performance based on decades of experience and will also present a famous example: the “Young@Heart-Chorus”.

In our research we examined 10-14 years old students' music reading skills with eye tracking analysis in different music schools in Luxembourg, Germany and Hungary. Our aims were to explore certain music reading strategies, reveal the characteristics of expert sight-readers and also to find text characteristics. During the examination students got six different musical examples (three for rythm reading, three for singing from Zoltán Kodály) that appeared on a computer's screen, and after one minute silent reading they performed them.The results suggest that the knowledge of musical patterns strongly influences not only the duration and accuration of a musical performance, but the fixation counts, and also gender differences were revealed. Our further aim is examining the relationship between the development of reading and music reading skills.

Adolphe Sax was elven years older than Jean-Baptiste Arban. At the time when Jean-Baptiste Arban edited his famous method Grande méthode complète de cornet à piston et de saxhorn for valved brass instruments in 1864, Adolphe Sax had invented his saxhorns already about twenty years ago. Arban's major work served as a model for subsequent brass instrument studies with valves. These studies came (and come) mostly from the francophone world and still are in use in conservatoires and music schools in France, Wallonie, Romandie and Luxembourg and also elsewhere, since they are not reserved only for these instruments, but can apply for any other brass instrument with valves. In this article is presented a historic and critical overview of the literature for saxhorns, propose a categorization according largely to the structuration of Arban's method and adapted to the technique of playing a saxhorn. Due to the further development of saxhorns, the training requirements had to be adapted. An example is the enhancement of the bass saxhorn to the tuba français in C with six valves. Another aspect I will deal with is the pedagogically graded concert repertoire that was developed for saxhorn instruments. Then the problem of designation of several instrument categories in relation to the saxhorn family and this in different languages is discussed, as for instance: French, Italian, German, English and others, if needed. I will enumerate examples with the help of treatises of instrumentation and of pedagogical literature in considering the problems caused by this babel, amongst others, a correct assignment. I would just like to give an example at this place. The saxhorn basse in B-flat (was) is called tuba in Dutch or in my country (Luxembourg). (Today, the euphonium, which has a slightly different form, has replaced the saxhorn basse in most wind bands. But the literature of the latter is still played on the former.) In German this instrument is called Bariton (with an "i", an instrument with rotary valves and a curved corpus). In contrast, the saxhorn baryton in B-flat (with a "y"), which has the same length than a saxhorn basse with a narrower bore, is called Tenorhorn in German, while a tenorhorn in a brass band is nothing else than a saxhorn alto in E-flat. Supplementary confusion is caused by the baryton saxophone in E-flat; this bass instrument of the saxophone family is equivalent to a saxhorn contrebasse in E-flat.

In our studies the eye movements of 10-11-years-old students were analyzed, while they were solving tasks related to the planar orientation in front of the Tobii T120. The students had to follow the instructions on the image according to the text of task guidelines. We found on the basis of various statistical and thermographic studies, that many of the tested students are not fully aware of the basic directions and more of them blended eastern and western directions. The tasks performed with instructions were more accurately solvable for students. Based on the studies exercises should be developed for students that are interesting, understandable and ameliorate the two-dimensional and three-dimensional orientations.

Dans Les Limites de l'interprétation (Paris, 1992) Umberto Ecco distinguait entre la recherche de l’intentio operis et la subordination du texte à l’intentio lectoris. Dans le premier cas, il s’agit d’ « in-terprétation », et dans le deuxième, Ecco parle d’ « utilisation des textes ». L’importance de cette thèse pour la pédagogie musicale est que l’intentio lectoris est à l’origine de tout apprentissage de la mu-sique. Transféré à la musique on pourrait parler d’intentio auditoris. Si les apprentis doivent être mo-tivés à changer l’intentio auditoris dans le sens de l’intentio operis, ils doivent profiter de la possibilité de réaliser le lien de leur propre intentionnalité avec la musique, c.à.d. qu’ils doivent tenter de changer l’objet. Ceci est une tâche primordiale qui revient aux professeurs de musique. L'importance des médias électroniques et des nouvelles technologies se situera au centre d’un projet de recherche d’envergure européenne de la FEMP (Forum of European Music Pedagogy, Forum Euro-péen de Pédagogie de Musique, Forum Europäische Musikpädagogik). Il revient à l’identité et au pro-fessionnalisme du professeur de musique de reconnaître la distance entre intentio auditoris et intentio operis (la dernière fut apprise lors de sa propre formation) et d’oeuvrer avec conviction en vue de réduire cette distance. En outre, il devra justifier et remettre en question à tout moment les objectifs de son action pédagogique pour soi-même et pour élèves. L’objectif de notre/nos communication(s) est de retracer l’identité des enseignants de musique sous un angle européen, notamment en distinguant entre les pays orientés plutôt vers la tradition alle-mande (le pédagogue-musicien) d’un côté et des pays préconisant le système d’origine francophone, voire anglo-saxonne (le musicien-enseignant), de l’autre. Repérer des pistes en vue d’un enrichisse-ment réciproque entre les différentes traditions sera un des buts du PR de la FEMP.

The following article describes the situation of choir singing in Luxembourg at the beginning of the second decade of the 21st century. In comparison with other community music ensembles, it explains the impact or non-impact of music education on the recruitment of new members. It shows, with the help of statistical investigations and in giving some examples, how the phenomenon of singing has become, not only concerning choirs, a matter of older people.

In this presentation I focus on the situation in my country, Luxembourg. I nevertheless assume that my findings have a general validity in other countries of the continent. For many professional musicians, playing a wind instrument or percussion in a wind band often is the first step towards a professional career in an orchestra or as a music teacher. Informal learning within the social structures of a wind orchestra will complement formal and non-formal music learning in the general school system as well as in the music schools. Yet, for most young musicians, membership in the local band remains the ultimate aim of their musical training. A further musical career is often only planned at a later date and depends on factors like musical interest and talent. With the help of selected interviewees, I will give some answers about how music education and wind band playing interact. What are individual experiences in relation to wind bands and to music education? Can they be generalized, and how can these findings help music education fulfill the needs of today’s reality in relation to public music practice? Furthermore, the question of musical diversity will be raised. What does musical diversity mean, how is it perceived, and how, respectively whether it is practiced at all in a wind band? Examples of musical diversity will then be discussed. Is music education adapted to the challenges of musical practice in a band, for example, in terms of musical diversity, or are there any unnecessary burdens that could be replaced by more useful practical courses? How much informal learning is acquired through musical practice in a band?

Music Education in Luxembourg and its Assessment. 1. Assessment of Pupils According to Martin Fautley (2012), not everything what is taught, is always learned, and therefore music education also needs assessment. In my lecture I will first give a short insight into the formal school system in Luxembourg and its recent change from summative to formative evaluation. In 1998 the parliament of Luxembourg voted a law of music education. The aim was to offer an equal level of music education in every region of the country and to motivate more children to attend music courses. The assessment system in music schools was based on summative evaluation known from general schools. Current tendencies finally try to adopt a more smooth method of evaluation in order to improve the pupil’s learning success and in order to critically scrutinize the teacher’s training activity. After the description of the organization of music schools in Luxembourg, I will consider this change of paradigm. 2. Assessment of the System? Music education in Luxembourg is based on the francophone system of solfège, a method for future singers and professional musicians, including audiation for beginners at the youngest age. It is also partially transferred to some instrumental disciplines. However, during the last two decades, in these countries – France and Belgium – solfège has been replaced by a less rigorous and better-adapted method of musical training. In contrast to these countries, the Luxembourg system of music education never has been assessed. Music-school teachers graduate in the neighboured countries. While degree holders from music universities based on the German system have to study educational sciences (a minority), their colleagues issued from the French tradition (the majority) never did. They specialized in their main discipline, are skilful artists, but have no pedagogical grade and acquire educational skills in learning by doing or not at all. But, decisions concerning further development and pedagogical improvements should be managed in accordance to todays (pedagogical) needs. My paper will focus on this weak point in giving a historical insight into the system of solfège and its didactics over the centuries beginning with Guido of Arezzo up to Rousseau until its current use in Luxembourg and, depending on it, the instrumental disciplines. I will focus on the pedagogical needs, which have led to changes over this long epoch. An independent evaluation of music education in Luxembourg by external is absolutely necessary. I will conclude with some reflections on statements by some alumni of music-schools, which could serve as a model for an external assessment.

At the beginning of the 20th century, music schools in Luxembourg founded with the focal objective to form young musicians for amateur orchestras and choirs. Given that this was quiet a challenging goal, reality proved that it was difficult to assume. In 1998, after many years of discussion, the parliament of Luxembourg finally voted a law of music education. The aim was to offer an equal level of music education in every region of the country and to motivate more children to attend music courses. Politics facilitated unconsciously, but surely not unwillingly a renaissance of amateur music. But these obvious advantages were lessened by some serious problems. An important part of the students gave up and were disgusted by music practice. In my paper I will describe, how the artistic performance level in amateur ensembles increased, but did not lead to more musicians. But this was not only due to music education, but also to new facilities in practicing music. I will describe, by presenting the statistics of the last few years, that the Luxembourgian system of music education has become elitist in the sense of being well adopted for talented students, but that it does not suit at all for average pupils, who want to make music just for leisure. Only a minor part of young people attend music schools, with an important number beginning musical training at the age of eight years or even earlier, but with a decreasing number completing their musical instruction. Nevertheless, general music education is offered for everybody in primary and secondary schools, i.e. one obligatory hour per week for every pupil from six to fourteen years. However, few students older than fourteen make use of a more specialised offer of music education in secondary schools. Most of the future music students, the elite, opt for this possibility. Music education in Luxembourg is based on the francophone system of solfège, a method for future singers and professional musicians. It is also partially transferred to some instrumental disciplines. However, during the last two decades, in these countries – France and Belgium – solfège is replaced by a less rigorous and better-adapted method of musical training. My paper will also give an historical insight into the system of “solfège” and its didactics over the centuries.

After some preliminary observations about Europe of regions, this article discuses aspects of music and music education under the viewpoint of interregional cultural interaction and history. The focus is on the situation in Luxembourg. The influence wielded by the neighboring regions is considered in relation to (1) the close proximity bringing together germanophone and francophone (Wallonia, i.e. the French speaking part of Belgium and France) traditions; and in relation to (2) the development of the grand duchy and its stately independence starting in 1815. Furthermore, the author examines the cultural shift initiated by the migration of Italian and Portuguese families at the end of the 19th century and its influence on musical life and music education in Luxembourg.

Music education in the former GDR is to be understood in the framework of the development of a socialist notion of humankind. The present essay • offers, accordingly, less of a glimpse into the didactic models and educational approaches that are distinct from those in West Germany • deals instead with music education as a means for developing an “ideal” socialistic human being. Education in art, athletics or other subjects could replace music • refers to the disciplinary literature of the GDR in the years 1955-1972 • for that reason sticks primarily to the present, refers, however, repeatedly to that time period • and instead of the conceptual combination “former GDR” uses simply “GDR”

The article describes the elementary parts of the musical texture from the music theory perspective, based on three representative works of music theory writing. The works under consideration are "Unterweisung im Tonsatz" by Hindemith, "Neue Theorien und Phantasien" by Schenker, and some music theory works by Riemann, spanning more than forty years. The article provides an insight into the harmonic teachings of Hugo Riemann and the laws of tonal succession.