Eugenia, incarnée par Marina Hands, dans Actrice de Pascal Rambert : le corps d’une mourante comme figuration de la Dame Blanche

in Laforêt, Carole; Raimbault, Nicole (Eds.) Les femmes et leur corps (2022, October 10)

Soit cette description physique de l’actrice franco-britannique Marina Hands par Éric Ruf (Administrateur Général de la Comédie-Française depuis 2014) : Marina est une jeune femme très belle, mais elle a ... [more ▼]

Soit cette description physique de l’actrice franco-britannique Marina Hands par Éric Ruf (Administrateur Général de la Comédie-Française depuis 2014) : Marina est une jeune femme très belle, mais elle a une beauté très singulière. Elle ne correspond en rien au canon. Elle a des épaules des nageuses est-allemandes, elle a des bras longs comme des kilomètres, elle est massive, elle a une drôle de tronche avec des pommettes extrêmement saillantes. Elle n’a pas une beauté classique. Nous avons conclu ainsi notre exposé au 10ème colloque orléanais consacré aux sorcières. En vue de contribuer humblement et d’apporter modestement notre pierre à l’édifice du prochain congrès intitulé : « Femmes des lumières et de l'ombre. Les Femmes et leur Corps », nous entendons, par le biais de cette nouvelle communication, prolonger notre réflexion initiale sur Marina Hands en nous axant plus particulièrement, cette fois-ci, sur le corps de cette comédienne au miroir de son interprétation d’Eugenia dans Actrice de Pascal Rambert. Tout d’abord, en quoi le corps de Marina Hands peut-il être défini comme « masculin » et quels en sont, non seulement, les enjeux, mais aussi, les implications sur son jeu d’actrice ? C’est précisément ce que nous entendons aborder, par la suite, avec le rôle d’Eugenia, protagoniste autour de laquelle se construit l’action d’Actrice de Pascal Rambert. Pourquoi le corps d’Eugenia, mourante, peut-il être perçu comme une figuration de la Dame Blanche, messagère de la mort, et comment Pascal Rambert, renforce-t-il cette idée en construisant un requiem, par un dispositif scénographique singulier ? C’est spécifiquement à ces trois questions centrales auxquelles cette présentation souhaite répondre [less ▲]

La Comédie-Française face au Coronavirus

in La Scène mondiale en période de confinement (2022)

Depuis le vendredi 13 mars 2020, le monde entier vit au rythme ralenti de la crise sanitaire due au Coronavirus. Le parangon de la culture française, à savoir la ComédieFrançaise, ne fait pas exception et ... [more ▼]

Depuis le vendredi 13 mars 2020, le monde entier vit au rythme ralenti de la crise sanitaire due au Coronavirus. Le parangon de la culture française, à savoir la ComédieFrançaise, ne fait pas exception et ne déroge pas à la règle. Qu’à cela ne tienne, Éric Ruf, Administrateur Général depuis 2014, la troupe de la Comédie-Française ainsi que les différents métiers du théâtre, salariés de cette institution ont opté pour le numérique et mis en place une WEB-TV, initialement intitulée « La Comédie continue ! » (du lundi 30 mars au dimanche 24 mai 2020), puis « La Comédie continue encore ! » (du lundi 25 mai au mardi 14 juillet 2020), avant de devenir « La Comédie reprend ! » avec, depuis le lundi 28 septembre 2020, une émission hebdomadaire et quotidienne nommée « Quelle Comédie », laquelle s’intéresse à l’actualité de la Comédie-Française. Depuis le mardi 10 novembre 2020, les internautes peuvent profiter de « Comédie d’automne ». Au gré des confinements, la Maison de Molière aura réussi à se renouveler, sans jamais lasser le public, en proposant des programmes différents au fil des semaines, et, aussi paradoxal que cela puisse paraître, à fidéliser des milliers d’internautes. [less ▲]

Clôture de l’amour de Pascal Rambert : une adaptation moderne de Bérénice de Jean Racine ?

in Chantraine-Braillon, Cécile; Dubatti, Jorge (Eds.) Théâtre Mythologique Origines, manifestations et résurgences (2022)

Dans Clôture de l’amour, comment Pascal Rambert se réapproprie-t-il Bérénice de Jean Racine et comment construit-il une rupture unilatérale qui devient une clôture bilatérale ? En d’autres termes, comment ... [more ▼]

Dans Clôture de l’amour, comment Pascal Rambert se réapproprie-t-il Bérénice de Jean Racine et comment construit-il une rupture unilatérale qui devient une clôture bilatérale ? En d’autres termes, comment un « je » solitaire et un « nous » captif se font-ils face et rendent-ils compte d’une rupture / clôture paroxystique ? Telle est la problématique à laquelle notre article sera consacré. Le dispositif dramaturgique mis au jour par l’auteur est novateur. Ce sont deux blocs de mots noirs et vengeurs, entrecoupés de silences, qui sont proposés au public ; ou plus précisément deux monologues qui s’apparentent à un dialogue et à un duo de danse. Dans une salle de répétitions, comparable à une « chambre de torture » et dont les néons produisent des lumières blanches et crues, Stan débute les hostilités face à Audrey qui, mutique dans un premier temps, lui répond par corps avant de riposter, 45 minutes plus tard, par la parole. Audrey Bonnet et Stanislas Nordey, les deux interprètes pour qui Pascal Rambert a rédigé cette pièce de théâtre sont semblables à Bérénice et à Titus et sont deux monstres qui s’affrontent. Leurs corps sont traversés par les mots. Ils éprouvent et épuisent le langage. Par leurs regards et leur voix, ils expriment leur douleur, hurlent leur souffrance et chantent l’amour, la vie et l’art du théâtre. [less ▲]

Recension d' European Drama and Performance Studies n° 16 : « Percevoir et transmettre le spectacle vivant »

Scientific Conference (2021, October 11)

Cette recension, divisée en trois temps, va suivre les différents points de vue adoptés par les participants au seizième numéro de la revue European Drama and Performance Studies, consacré à la perception ... [more ▼]

Cette recension, divisée en trois temps, va suivre les différents points de vue adoptés par les participants au seizième numéro de la revue European Drama and Performance Studies, consacré à la perception et à la transmission du spectacle vivant et dirigé par Françoise Gomez et Daniel Loayza : 1. Le regard du chercheur (Florence Naugrette, Julia Gros de Gasquet et Patrice Pavis) ; 2. Le regard du praticien de la scène (Emmanuel Demarcy-Mota et Don Kent) ; 3. L’archivage mémoriel (Sandrine Siméon et Daniel Loayza). [less ▲]

De Rosalie Vetch et Paul Claudel à Ysé et Mesa dans Partage de midi : la question de « l’acteur-passeur »

Scientific Conference (2021, July 09)

Soit cette affirmation de l’actrice franco-britannique Marina Hands relative au rôle d’Ysé dans Partage de midi de Paul Claudel : […] en interprétant […] Rosalie Vetch qui était le grand amour de Paul ... [more ▼]

Soit cette affirmation de l’actrice franco-britannique Marina Hands relative au rôle d’Ysé dans Partage de midi de Paul Claudel : […] en interprétant […] Rosalie Vetch qui était le grand amour de Paul Claudel et dont il parle dans la pièce : c’est grâce à Ysé que j’ai commencé à me dire que les personnages étaient des personnes, qu’il n’y avait pas de personnages. […] J’ai appris qu’interpréter n’était plus interpréter et jouer. […] C’est très réel ce que j’ai vécu avec Ysé [...] Les personnages sont des personnes. J’imagine qu’ils sont vivants [...] et qu’ils nous empruntent, nous, les acteurs pour revivre encore un peu et redire tout ce qu’ils ont sur le cœur […]. Par le biais d’une communication divisée en deux parties, dont les intitulés sont les suivants : 1. Des Lettres à Ysé à Partage de midi : porosité entre réalité et fiction 2. « L’acteur-passeur » : définition, enjeux et implications nous envisagerons cette ligne ténue existant entre la réalité et la fiction, particulièrement prégnante dans le cas du drame claudélien Partage de midi, sur laquelle « l’acteur-passeur » tente de se tenir en équilibre. C’est avec cette approche que nous souhaitons apporter humblement notre pierre à l’édifice de ces journées doctorales organisées par le LOGOS. Pour ce faire, nous commencerons, tout d’abord, notre exposé par des extraits choisis des échanges épistolaires nourris entre Rosalie Vetch et Paul Claudel . Cette correspondance singulière a fait l’objet d’un séminaire méthodologique à destination des doctorants, supervisé par Madame Julia Gros de Gasquet, le jeudi 18 février 2021 (Sorbonne-Nouvelle, Paris 3), auquel nous avons participé. Nous entendons reprendre à notre compte les propos de l’enseignante en vue de démontrer à quel point les lettres contiennent la pièce de théâtre précitée et inversement. Ensuite, forte de cette analyse comparée préalable, nous verrons que les acteurs, dotés d’une voix et d’un corps, ont pleinement leur place dans l’équation précédemment esquissée, en leur qualité de passeurs des sentiments et des émotions des personnes (Rosalie Vetch et Paul Claudel) - personnages (Ysé et Mesa). [less ▲]

Phèdre de Jean Racine et Partage de midi de Paul Claudel : Un théâtre poétique, entre présence et absence (entre voix parlée et silence musical)

in Théâtres du Monde (2021), 31(2021), 187-197

La problématique de cet article, divisé en trois parties, peut se formuler comme suit : « Comment, entre présence et absence, la voix parlée alterne-t-elle avec le silence musical dans Phèdre de Jean ... [more ▼]

La problématique de cet article, divisé en trois parties, peut se formuler comme suit : « Comment, entre présence et absence, la voix parlée alterne-t-elle avec le silence musical dans Phèdre de Jean Racine et Partage de midi de Paul Claudel ? ». La première partie de cette étude constitue un versant théorique. Nous tenterons de cerner ce qu’il faut précisément entendre par « théâtre poétique ». Nous nous axerons ensuite plus particulièrement sur le corpus théâtral choisi, à savoir Phèdre de Jean Racine et Partage de midi de Paul Claudel. Les présupposés théoriques préalablement définis dans la première partie vont nous permettre d’aborder, dans une deuxième partie, Phèdre de Jean Racine et Partage de midi de Paul Claudel pour tenter d’y déceler une alternance spécifique entre la voix et le silence et tenter de démontrer ainsi que ces deux pièces de théâtre se construisent comme un opéra syllabé, à défaut d’être chanté. La frontière et la lisière entre la voix et le silence sont donc, au sein de ce corpus, extrêmement poreuses. Quant à notre troisième partie, elle envisage plus spécifiquement la voix et le silence comme des concepts opératoires pour mener une réflexion méta-poétique sur le théâtre. [less ▲]

Le vers claudélien, langage " naturel " ou " insolite " ? : Réflexion et analyse à partir de différentes mises en scène de Partage de midi de Paul Claudel

Conference given outside the academic context (2021)

Dès qu’un metteur en scène entend appréhender le théâtre de Paul Claudel, il se voit immédiatement confronté à un problème de taille : le vers claudélien. En effet, la physionomie sensuelle et baroque des ... [more ▼]

Dès qu’un metteur en scène entend appréhender le théâtre de Paul Claudel, il se voit immédiatement confronté à un problème de taille : le vers claudélien. En effet, la physionomie sensuelle et baroque des œuvres claudéliennes « n’a rien de français ». Paul Claudel se situe véritablement en dehors de cette tradition théâtrale et se méfie d’ailleurs des acteurs français. Fort de ses séjours internationaux en tant qu’ambassadeur, ce dramaturge ne rédige pas comme la plupart des auteurs français. Tout d’abord, nous commencerons notre exposé en tentant de démontrer ce qui précède par des extraits sélectionnés de Partage de midi. Cela va nous conduire ensuite à nous intéresser plus particulièrement à cette pièce. Plus qu’aucune autre, cette œuvre, à forte teneur autobiographique, est caractérisée par l’érotisme. Ysé et Mesa, les deux protagonistes principaux, sont unis par une relation, non seulement, amoureuse, mais aussi, charnelle. En témoigne la scène 2 de l’Acte II de Partage de midi. Nous verrons, in fine, que l’histoire de la tradition des mises en scène de cette « scène d’amour » démontre que certains metteurs en scène vont davantage privilégier un érotisme cérébral et textuel, tandis que d’autres vont plutôt s’axer sur un érotisme physique et corporel, où le toucher entre les partenaires est d’importance. [less ▲]

Interview d'Héloïse JADOUL, mettrice en scène de Partage de midi de Paul Claudel. Entourée des quatre comédiens de sa distribution

Speeches/Talks (2021)

La Règle du Jeu de Jean Renoir vu par Christiane Jatahy : une création hybride, entre théâtre et cinéma.

in Deregnoncourt, Marine; Bréchemier, Dominique (Eds.) Femmes des lumières et de l'ombre. Femmes en scène : les femmes et le théâtre (2020, August 24)

Pour tenter de contribuer humblement au propos de ce colloque intitulé : « Femmes des lumières et de l'ombre. Femmes en scène: les femmes et le théâtre », nous envisageons de nous intéresser à la création ... [more ▼]

Pour tenter de contribuer humblement au propos de ce colloque intitulé : « Femmes des lumières et de l'ombre. Femmes en scène: les femmes et le théâtre », nous envisageons de nous intéresser à la création proposée, en 2017, par Christiane Jatahy à la Comédie-Française, institution administrée et dirigée par Éric Ruf. L’artiste brésilienne précitée choisit de porter à la scène La Règle du Jeu de Jean Renoir. Comment procède-t-elle pour adapter ce film ? Quelle est sa manière de travailler avec les acteurs du Français pour en arriver à brouiller les rapports entre les personnes physiques et les personnages fictifs ? Comment un vrai parti pris esthétique et dramaturgique apparaît-il ? Comment le cinéma influence-t-il le théâtre et vice versa ? Comment apparaît cette « ligne ténue entre réalité et fiction » ? C’est précisément à toutes ces questions que nous entendons répondre. [less ▲]

A Floresta Que Anda (La Forêt qui marche), création de Christiane Jatahy, inspirée par Macbeth de William Shakespeare (2016)

in Théâtres du Monde (2020), 4

A Floresta que anda (La Forêt qui marche) est le titre de la création proposée, en 2016, par Christiane Jatahy au Cent-Quatre à Paris, librement inspirée par Macbeth de William Shakespeare. Il s’agit ... [more ▼]

A Floresta que anda (La Forêt qui marche) est le titre de la création proposée, en 2016, par Christiane Jatahy au Cent-Quatre à Paris, librement inspirée par Macbeth de William Shakespeare. Il s’agit d’une installation ou plus précisément de la construction d’un espace au sein duquel se déplacent les « spect-acteurs ». Dans cette " salle d’exposition " créée pour l’occasion, il existe une structure d’écrans mobiles reliés, chacun, à un vidéoprojecteur qui diffuse une vidéo différente afin de faire entendre la voix des exclus. Tout commence par un documentaire et une vidéo d’installation. Il s’agit en somme d’un mélange de théâtre, de performance et d’exposition d’art vidéo. Dans ce cadre spécifique, les sorcières, représentation du surnaturel dans Macbeth , sont incarnées par Christiane Jatahy lorsqu’elle s’adresse aux spectateurs et délivre cette œuvre au public. Lady Macbeth, quant à elle, symbolise le pouvoir assassin, le désir d’enrichissement et « la luxure inextinguible du pouvoir qui s’autoalimente » . Quant à Macbeth, il devient un personnage contemporain qu’il y a lieu de chercher dans le réel et non pas uniquement dans la fiction. Macbeth représente le système social, économique et politique dans lequel nous vivons aujourd’hui et qui est tout aussi pervers que le personnage en lui-même. Comment Christiane Jatahy procède-t-elle pour adapter Macbeth ? Quelle est sa manière de travailler avec les acteurs pour en arriver à brouiller les rapports entre les personnes physiques et les personnages fictifs ? Comment un vrai parti pris esthétique et dramaturgique apparaît-il ? Comment le cinéma influence-t-il le théâtre et vice versa ? Comment apparaît cette « ligne ténue entre réalité et fiction » , laquelle étonne et déroute les « spect-acteurs » ? C’est précisément à toutes ces questions auxquelles nous répondons dans cet article. [less ▲]