References of "Deregnoncourt, Marine 50034623"
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See detailEugenia, incarnée par Marina Hands, dans Actrice de Pascal Rambert : le corps d’une mourante comme figuration de la Dame Blanche
Deregnoncourt, Marine UL

in Laforêt, Carole; Raimbault, Nicole (Eds.) Les femmes et leur corps (2022, October 10)

Soit cette description physique de l’actrice franco-britannique Marina Hands par Éric Ruf (Administrateur Général de la Comédie-Française depuis 2014) : Marina est une jeune femme très belle, mais elle a ... [more ▼]

Soit cette description physique de l’actrice franco-britannique Marina Hands par Éric Ruf (Administrateur Général de la Comédie-Française depuis 2014) : Marina est une jeune femme très belle, mais elle a une beauté très singulière. Elle ne correspond en rien au canon. Elle a des épaules des nageuses est-allemandes, elle a des bras longs comme des kilomètres, elle est massive, elle a une drôle de tronche avec des pommettes extrêmement saillantes. Elle n’a pas une beauté classique. Nous avons conclu ainsi notre exposé au 10ème colloque orléanais consacré aux sorcières. En vue de contribuer humblement et d’apporter modestement notre pierre à l’édifice du prochain congrès intitulé : « Femmes des lumières et de l'ombre. Les Femmes et leur Corps », nous entendons, par le biais de cette nouvelle communication, prolonger notre réflexion initiale sur Marina Hands en nous axant plus particulièrement, cette fois-ci, sur le corps de cette comédienne au miroir de son interprétation d’Eugenia dans Actrice de Pascal Rambert. Tout d’abord, en quoi le corps de Marina Hands peut-il être défini comme « masculin » et quels en sont, non seulement, les enjeux, mais aussi, les implications sur son jeu d’actrice ? C’est précisément ce que nous entendons aborder, par la suite, avec le rôle d’Eugenia, protagoniste autour de laquelle se construit l’action d’Actrice de Pascal Rambert. Pourquoi le corps d’Eugenia, mourante, peut-il être perçu comme une figuration de la Dame Blanche, messagère de la mort, et comment Pascal Rambert, renforce-t-il cette idée en construisant un requiem, par un dispositif scénographique singulier ? C’est spécifiquement à ces trois questions centrales auxquelles cette présentation souhaite répondre [less ▲]

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See detailEntre chien et loup de Christiane Jatahy (2021-2022) : un théâtre au présent, témoin des formes contemporaines de fascisme
Deregnoncourt, Marine UL

Scientific Conference (2022, September 09)

Nous entendons nous intéresser à la rencontre qui s’est déroulée, le lundi 7 mars 2022 à 20h au cinéma Mk2 Nation (Paris, 12ème), entre la mettrice en scène brésilienne, Christiane Jatahy, la philosophe ... [more ▼]

Nous entendons nous intéresser à la rencontre qui s’est déroulée, le lundi 7 mars 2022 à 20h au cinéma Mk2 Nation (Paris, 12ème), entre la mettrice en scène brésilienne, Christiane Jatahy, la philosophe Marylin Maeso, autrice de La petite fabrique de l’inhumain et la psychanalyste Clotilde Leguil, venant de publier Céder n’est pas consentir. Cet échange fut dédié à Entre chien et loup, dernier spectacle en date, voulu par l’artiste carioca précitée — à la notoriété grandissante en Europe depuis près de vingt ans — d’après le scénario du film de Lars von Trier : Dogville avec Nicole Kidman dans le rôle-titre de Grace. Cet événement liminaire nous servira à démontrer, à terme, combien cette création se révèle être un théâtre éminemment ancré dans le présent, témoignant de toutes les formes contemporaines de fascisme, par le truchement, précisément, du personnage de Grace, devenu, pour les besoins de la mise en scène, Gracia, jeune femme d’origine brésilienne, interprétée par Julia Bernat, actrice fétiche de Christiane Jatahy grâce à laquelle elle peut faire pleinement entendre sa propre voix d’artiste politiquement engagée. [less ▲]

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See detailClôture de l’amour de Pascal Rambert : une adaptation moderne de Bérénice de Jean Racine ?
Deregnoncourt, Marine UL

in Chantraine-Braillon, Cécile; Dubatti, Jorge (Eds.) Théâtre Mythologique Origines, manifestations et résurgences (2022)

Dans Clôture de l’amour, comment Pascal Rambert se réapproprie-t-il Bérénice de Jean Racine et comment construit-il une rupture unilatérale qui devient une clôture bilatérale ? En d’autres termes, comment ... [more ▼]

Dans Clôture de l’amour, comment Pascal Rambert se réapproprie-t-il Bérénice de Jean Racine et comment construit-il une rupture unilatérale qui devient une clôture bilatérale ? En d’autres termes, comment un « je » solitaire et un « nous » captif se font-ils face et rendent-ils compte d’une rupture / clôture paroxystique ? Telle est la problématique à laquelle notre article sera consacré. Le dispositif dramaturgique mis au jour par l’auteur est novateur. Ce sont deux blocs de mots noirs et vengeurs, entrecoupés de silences, qui sont proposés au public ; ou plus précisément deux monologues qui s’apparentent à un dialogue et à un duo de danse. Dans une salle de répétitions, comparable à une « chambre de torture » et dont les néons produisent des lumières blanches et crues, Stan débute les hostilités face à Audrey qui, mutique dans un premier temps, lui répond par corps avant de riposter, 45 minutes plus tard, par la parole. Audrey Bonnet et Stanislas Nordey, les deux interprètes pour qui Pascal Rambert a rédigé cette pièce de théâtre sont semblables à Bérénice et à Titus et sont deux monstres qui s’affrontent. Leurs corps sont traversés par les mots. Ils éprouvent et épuisent le langage. Par leurs regards et leur voix, ils expriment leur douleur, hurlent leur souffrance et chantent l’amour, la vie et l’art du théâtre. [less ▲]

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See detailGuider amoureusement l’acteur pour que le spectateur perçoive ce qui ne le regarde pas : l’intimité corporelle comme matrice de l’esthétique chéraldienne
Deregnoncourt, Marine UL

Presentation (2021, November 26)

Notre intervention entend s’intéresser au défi lancé, par Patrice Chéreau, à la représentation. L’intimité proprement corporelle, définitoire de son esthétique, s’avère, par définition, invisible et ... [more ▼]

Notre intervention entend s’intéresser au défi lancé, par Patrice Chéreau, à la représentation. L’intimité proprement corporelle, définitoire de son esthétique, s’avère, par définition, invisible et irreprésentable. Tel est le point focal des recherches de Valérie Nativel. Soutenue en 2012, la thèse de doctorat de cette dernière part de la décennie 1980, et plus spécifiquement de l’année 1983, point de bascule dans la carrière artistique de Patrice Chéreau. En effet, le choix de cet artiste d’inaugurer le Théâtre des Amandiers à Nanterre par Combat de nègre et de chiens de Bernard-Marie Koltès paraît hautement significatif. De facto, rencontrer un auteur contemporain, — créateur d’une dramaturgie subjective et capable de mettre en mots la complexité des relations entre les individus —, va, en miroir, permettre à Patrice Chéreau de proposer un dépouillement scénique par le biais d’un plateau nu, témoin d’un deuil du visible. Ce dispositif scénique bifrontal apparaît privilégié pour les corps actoriaux, pris dans un espace marginal et inhabitable, autrement dit, un no man’s land ou « non-lieu ». Ce parti pris produit instantanément un impact sur le spectateur lequel se retrouve ainsi intrus et voyeur. Nous verrons que le spectacle Phèdre de Jean Racine, donné en 2003 aux Ateliers Berthier, constitue un cas emblématique de la proximité érotique et de l’intimité corporelle des acteurs. Du secret des répétitions en huis-clos avec les comédiens aux représentations face à un public installé dans et aux prises avec un dispositif bifrontal induisant autant la proxémie que la distance, Patrice Chéreau s’évertuera à séduire. [less ▲]

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See detailRecension d' European Drama and Performance Studies n° 16 : « Percevoir et transmettre le spectacle vivant »
Deregnoncourt, Marine UL

Scientific Conference (2021, October 11)

Cette recension, divisée en trois temps, va suivre les différents points de vue adoptés par les participants au seizième numéro de la revue European Drama and Performance Studies, consacré à la perception ... [more ▼]

Cette recension, divisée en trois temps, va suivre les différents points de vue adoptés par les participants au seizième numéro de la revue European Drama and Performance Studies, consacré à la perception et à la transmission du spectacle vivant et dirigé par Françoise Gomez et Daniel Loayza : 1. Le regard du chercheur (Florence Naugrette, Julia Gros de Gasquet et Patrice Pavis) ; 2. Le regard du praticien de la scène (Emmanuel Demarcy-Mota et Don Kent) ; 3. L’archivage mémoriel (Sandrine Siméon et Daniel Loayza). [less ▲]

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See detailMarina Hands : une actrice ensorcelée et ensorcelante ?
Deregnoncourt, Marine UL

in Deregnoncourt, Marine (Ed.) Sorcières, êtes-vous là ?. Femmes des lumières et de l'ombre. Rencontres de Mix-Cité (2021, September 23)

Pour tenter de contribuer humblement au propos de ce colloque intitulé : « Femmes des lumières et de l'ombre. Sorcières, êtes-vous là ? », nous entendons nous intéresser à l’actrice franco-britannique ... [more ▼]

Pour tenter de contribuer humblement au propos de ce colloque intitulé : « Femmes des lumières et de l'ombre. Sorcières, êtes-vous là ? », nous entendons nous intéresser à l’actrice franco-britannique Marina Hands. Fille de la comédienne Ludmila Mikaël et du metteur en scène shakespearien Terry Hands (tout récemment décédé), Marina Hands a dû faire preuve d’audace pour parvenir à faire entendre sa voix sur la scène française. Son corps et son timbre de voix, elle arrive justement à les imposer via des personnages féminins forts et combatifs qui choisissent de séduire et de s’abandonner. Pour tenter de le démontrer, nous envisageons de nous focaliser sur Aricie (dans la mise en scène de Patrice Chéreau de Phèdre de Jean Racine, Théâtre de l’Odéon, 2003) et Ysé (dans la mise en scène d’Yves Beaunesne de Partage de midi de Paul Claudel, Comédie-Française, 2007 et Théâtre Marigny, 2009 et 2020), car ce sont les deux héroïnes constitutives de notre corpus de thèse de doctorat. En quoi l’incarnation de Marina Hands rapproche-t-elle ces personnages féminins des figures de sorcières et / ou de magiciennes ? Comment l’interprétation de Marina Hands met-elle au jour la transe et la possession de ces protagonistes ? Qu’est-ce qui, in fine, fait la spécificité de cette comédienne ? Nous est-il seulement permis de la définir, cette singularité ? C’est précisément à ces questions auxquelles nous entendons répondre par le biais de cette communication. [less ▲]

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See detailDe Rosalie Vetch et Paul Claudel à Ysé et Mesa dans Partage de midi : la question de « l’acteur-passeur »
Deregnoncourt, Marine UL

Scientific Conference (2021, July 09)

Soit cette affirmation de l’actrice franco-britannique Marina Hands relative au rôle d’Ysé dans Partage de midi de Paul Claudel : […] en interprétant […] Rosalie Vetch qui était le grand amour de Paul ... [more ▼]

Soit cette affirmation de l’actrice franco-britannique Marina Hands relative au rôle d’Ysé dans Partage de midi de Paul Claudel : […] en interprétant […] Rosalie Vetch qui était le grand amour de Paul Claudel et dont il parle dans la pièce : c’est grâce à Ysé que j’ai commencé à me dire que les personnages étaient des personnes, qu’il n’y avait pas de personnages. […] J’ai appris qu’interpréter n’était plus interpréter et jouer. […] C’est très réel ce que j’ai vécu avec Ysé [...] Les personnages sont des personnes. J’imagine qu’ils sont vivants [...] et qu’ils nous empruntent, nous, les acteurs pour revivre encore un peu et redire tout ce qu’ils ont sur le cœur […]. Par le biais d’une communication divisée en deux parties, dont les intitulés sont les suivants : 1. Des Lettres à Ysé à Partage de midi : porosité entre réalité et fiction 2. « L’acteur-passeur » : définition, enjeux et implications nous envisagerons cette ligne ténue existant entre la réalité et la fiction, particulièrement prégnante dans le cas du drame claudélien Partage de midi, sur laquelle « l’acteur-passeur » tente de se tenir en équilibre. C’est avec cette approche que nous souhaitons apporter humblement notre pierre à l’édifice de ces journées doctorales organisées par le LOGOS. Pour ce faire, nous commencerons, tout d’abord, notre exposé par des extraits choisis des échanges épistolaires nourris entre Rosalie Vetch et Paul Claudel . Cette correspondance singulière a fait l’objet d’un séminaire méthodologique à destination des doctorants, supervisé par Madame Julia Gros de Gasquet, le jeudi 18 février 2021 (Sorbonne-Nouvelle, Paris 3), auquel nous avons participé. Nous entendons reprendre à notre compte les propos de l’enseignante en vue de démontrer à quel point les lettres contiennent la pièce de théâtre précitée et inversement. Ensuite, forte de cette analyse comparée préalable, nous verrons que les acteurs, dotés d’une voix et d’un corps, ont pleinement leur place dans l’équation précédemment esquissée, en leur qualité de passeurs des sentiments et des émotions des personnes (Rosalie Vetch et Paul Claudel) - personnages (Ysé et Mesa). [less ▲]

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See detailPhèdre de Jean Racine et Partage de midi de Paul Claudel : Un théâtre poétique, entre présence et absence (entre voix parlée et silence musical)
Deregnoncourt, Marine UL

in Théâtres du Monde (2021), 31(2021), 187-197

La problématique de cet article, divisé en trois parties, peut se formuler comme suit : « Comment, entre présence et absence, la voix parlée alterne-t-elle avec le silence musical dans Phèdre de Jean ... [more ▼]

La problématique de cet article, divisé en trois parties, peut se formuler comme suit : « Comment, entre présence et absence, la voix parlée alterne-t-elle avec le silence musical dans Phèdre de Jean Racine et Partage de midi de Paul Claudel ? ». La première partie de cette étude constitue un versant théorique. Nous tenterons de cerner ce qu’il faut précisément entendre par « théâtre poétique ». Nous nous axerons ensuite plus particulièrement sur le corpus théâtral choisi, à savoir Phèdre de Jean Racine et Partage de midi de Paul Claudel. Les présupposés théoriques préalablement définis dans la première partie vont nous permettre d’aborder, dans une deuxième partie, Phèdre de Jean Racine et Partage de midi de Paul Claudel pour tenter d’y déceler une alternance spécifique entre la voix et le silence et tenter de démontrer ainsi que ces deux pièces de théâtre se construisent comme un opéra syllabé, à défaut d’être chanté. La frontière et la lisière entre la voix et le silence sont donc, au sein de ce corpus, extrêmement poreuses. Quant à notre troisième partie, elle envisage plus spécifiquement la voix et le silence comme des concepts opératoires pour mener une réflexion méta-poétique sur le théâtre. [less ▲]

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See detailD'ÉROS À AGAPÉ : LE CANTIQUE DES CANTIQUES, PHÈDRE DE JEAN RACINE ET PARTAGE DE MIDI DE PAUL CLAUDEL
Deregnoncourt, Marine UL

in Théâtres du Monde (2021), 31(2021), 175-187

Cet article s’intéresse à trois œuvres qu’à priori tout oppose : Le Cantique des Cantiques, Phèdre de Jean Racine et Partage de midi de Paul Claudel. À l’instar des protagonistes du Cantique des Cantiques ... [more ▼]

Cet article s’intéresse à trois œuvres qu’à priori tout oppose : Le Cantique des Cantiques, Phèdre de Jean Racine et Partage de midi de Paul Claudel. À l’instar des protagonistes du Cantique des Cantiques, Hippolyte et Aricie (Phèdre de Jean Racine) et Mesa et Ysé (Partage de midi de Paul Claudel) sont des êtres qui vivent un amour initiatique. Ils n’ont de cesse de se fuir et de se (re) chercher. C’est la nostalgie d’Éros et d’Agapé. En tant que drame du désir, de l’amour et de l’altérité intrinsèque à l’humanité et en tant que texte biblique axé sur l’amour et la prière, Le Cantique des Cantiques fait l’objet de nombreuses relectures et de commentaires divers et variés. La problématique à laquelle se consacre cet article est : « comment et pourquoi pouvons-nous considérer Hippolyte et Aricie dans Phèdre de Jean Racine et Mesa et Ysé dans Partage de midi de Paul Claudel comme étant des figures archétypales modernes du Cantique des Cantiques ? ». Pour tenter de répondre à cette problématique, cinq critères vont nous guider tout au long de notre étude : le lyrisme formel, un espace ouvert et fermé, la présence et l’absence, la féminité et le sacré. [less ▲]

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See detailLe vers claudélien, langage " naturel " ou " insolite " ? : Réflexion et analyse à partir de différentes mises en scène de Partage de midi de Paul Claudel
Deregnoncourt, Marine UL

Conference given outside the academic context (2021)

Dès qu’un metteur en scène entend appréhender le théâtre de Paul Claudel, il se voit immédiatement confronté à un problème de taille : le vers claudélien. En effet, la physionomie sensuelle et baroque des ... [more ▼]

Dès qu’un metteur en scène entend appréhender le théâtre de Paul Claudel, il se voit immédiatement confronté à un problème de taille : le vers claudélien. En effet, la physionomie sensuelle et baroque des œuvres claudéliennes « n’a rien de français ». Paul Claudel se situe véritablement en dehors de cette tradition théâtrale et se méfie d’ailleurs des acteurs français. Fort de ses séjours internationaux en tant qu’ambassadeur, ce dramaturge ne rédige pas comme la plupart des auteurs français. Tout d’abord, nous commencerons notre exposé en tentant de démontrer ce qui précède par des extraits sélectionnés de Partage de midi. Cela va nous conduire ensuite à nous intéresser plus particulièrement à cette pièce. Plus qu’aucune autre, cette œuvre, à forte teneur autobiographique, est caractérisée par l’érotisme. Ysé et Mesa, les deux protagonistes principaux, sont unis par une relation, non seulement, amoureuse, mais aussi, charnelle. En témoigne la scène 2 de l’Acte II de Partage de midi. Nous verrons, in fine, que l’histoire de la tradition des mises en scène de cette « scène d’amour » démontre que certains metteurs en scène vont davantage privilégier un érotisme cérébral et textuel, tandis que d’autres vont plutôt s’axer sur un érotisme physique et corporel, où le toucher entre les partenaires est d’importance. [less ▲]

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See detailEl duende, quand une technique propre au flamenco s’impose sur la scène de théâtre : Partage de midi de Paul Claudel (mise en scène d’Yves Beaunesne)
Deregnoncourt, Marine UL

in Deregnoncourt, Marine; Rameau, Corinne (Eds.) Le flamenco dans tous ses états : de la scène à la page, du pas à l’image (2021, March 08)

Pour tenter de correspondre au mieux au propos de cette journée d’études intitulée : « Le flamenco dans tous ses états : de la scène à la page, du pas à l’image », nous nous proposons d’analyser comment ... [more ▼]

Pour tenter de correspondre au mieux au propos de cette journée d’études intitulée : « Le flamenco dans tous ses états : de la scène à la page, du pas à l’image », nous nous proposons d’analyser comment le duende, technique propre au flamenco, peut être envisagé comme une clé de lecture opérante pour aborder la mise en scène d’Yves Beaunesne de Partage de midi de Paul Claudel (Comédie – Française, 2007 et Théâtre Marigny, 2009) et plus précisément de la scène d’amour (Acte II, Scène 2). En effet, lors de cette scène, Marina Hands et Éric Ruf, interprètes respectifs d’Ysé et de Mesa (protagonistes phares du drame claudélien) se livrent à une danse contemporaine caractérisée par un tombé au sol et une relève et comparable à une lutte, un break1, une transe et « un véritable cri du corps entier »2. Comment cela se manifeste-t-il sur scène ? C’est précisément à cette problématique que notre communication entend se consacrer. Pour ce faire, notre réflexion se divisera en deux parties. La première sera davantage théorique et tentera de définir ce qu’est le duende. La seconde s’axera, quant à elle, sur le spectacle précité et concernera plus spécifiquement la danse contemporaine exécutée par ces deux acteurs. [less ▲]

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See detailPatrice Chéreau en marge de la bienséance classique : Le « Récit de Théramène » dans sa mise en scène de Phèdre de Jean Racine (2003, Ateliers Berthier, Théâtre de l'Odéon, Paris)
Deregnoncourt, Marine UL

Scientific Conference (2020, December 14)

Quand il met en scène, en 2003, aux Ateliers Berthier (Théâtre de l’Odéon, Paris, XVIIème), Phèdre de Jean Racine, Patrice Chéreau revient sur le devant de la scène théâtrale en souhaitant ... [more ▼]

Quand il met en scène, en 2003, aux Ateliers Berthier (Théâtre de l’Odéon, Paris, XVIIème), Phèdre de Jean Racine, Patrice Chéreau revient sur le devant de la scène théâtrale en souhaitant contemporanéiser une œuvre considérée, depuis l’année de sa parution (1677), comme la « quintessence de la tragédie française » . Cette volonté d’inscrire cette pièce dans le présent de la création artistique passe notamment par sa lecture singulière du « Récit de Théramène », lequel narre la mort d’Hippolyte. En effet, Patrice Chéreau entend s’opposer à la tradition littéraire de l’énonciation, sous forme d’hypotypose, par une tierce personne - en l’occurrence Théramène, gouverneur du jeune prince - et proposer ainsi une monstration pleinement assumée du corps ensanglanté, morcelé et déchiqueté du corps d’Hippolyte. Reliquat et objet de tous les désirs, le corps atrophié du jeune prince, autour duquel l’intrigue s’est construite, paraît au vu et au su de tous, acteurs comme spectateurs. À l’égard du texte racinien, ce corps apparaît excessif et en surplus vis-à-vis de l’action scénique. Dès lors, un tel parti pris, en marge de la tradition, mérite d’être interrogé, car il remet entièrement en perspective la question de la bienséance classique. Afin de le démontrer, notre réflexion sera divisée en deux parties. La première s’axera précisément sur la bienséance, caractéristique de l’esthétique classique. Dans le cas de ce récit anthologique, nous verrons que Jean Racine se joue lui-même des codes en se référant davantage à Sénèque qu’à Euripide. Le second temps de notre étude cherchera à appréhender le positionnement radical de Patrice Chéreau face à ces présupposés pour, in fine, tenter de comprendre comment ce metteur en scène rompt avec la doctrine classique et offre, par là même, une vision novatrice et inédite - qui deviendra emblématique - de Phèdre de Jean Racine [less ▲]

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See detailLa Règle du Jeu de Jean Renoir vu par Christiane Jatahy : une création hybride, entre théâtre et cinéma.
Deregnoncourt, Marine UL

in Deregnoncourt, Marine; Bréchemier, Dominique (Eds.) Femmes des lumières et de l'ombre. Femmes en scène : les femmes et le théâtre (2020, August 24)

Pour tenter de contribuer humblement au propos de ce colloque intitulé : « Femmes des lumières et de l'ombre. Femmes en scène: les femmes et le théâtre », nous envisageons de nous intéresser à la création ... [more ▼]

Pour tenter de contribuer humblement au propos de ce colloque intitulé : « Femmes des lumières et de l'ombre. Femmes en scène: les femmes et le théâtre », nous envisageons de nous intéresser à la création proposée, en 2017, par Christiane Jatahy à la Comédie-Française, institution administrée et dirigée par Éric Ruf. L’artiste brésilienne précitée choisit de porter à la scène La Règle du Jeu de Jean Renoir. Comment procède-t-elle pour adapter ce film ? Quelle est sa manière de travailler avec les acteurs du Français pour en arriver à brouiller les rapports entre les personnes physiques et les personnages fictifs ? Comment un vrai parti pris esthétique et dramaturgique apparaît-il ? Comment le cinéma influence-t-il le théâtre et vice versa ? Comment apparaît cette « ligne ténue entre réalité et fiction » ? C’est précisément à toutes ces questions que nous entendons répondre. [less ▲]

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See detailA Floresta Que Anda (La Forêt qui marche), création de Christiane Jatahy, inspirée par Macbeth de William Shakespeare (2016)
Deregnoncourt, Marine UL

in Théâtres du Monde (2020), 4

A Floresta que anda (La Forêt qui marche) est le titre de la création proposée, en 2016, par Christiane Jatahy au Cent-Quatre à Paris, librement inspirée par Macbeth de William Shakespeare. Il s’agit ... [more ▼]

A Floresta que anda (La Forêt qui marche) est le titre de la création proposée, en 2016, par Christiane Jatahy au Cent-Quatre à Paris, librement inspirée par Macbeth de William Shakespeare. Il s’agit d’une installation ou plus précisément de la construction d’un espace au sein duquel se déplacent les « spect-acteurs ». Dans cette " salle d’exposition " créée pour l’occasion, il existe une structure d’écrans mobiles reliés, chacun, à un vidéoprojecteur qui diffuse une vidéo différente afin de faire entendre la voix des exclus. Tout commence par un documentaire et une vidéo d’installation. Il s’agit en somme d’un mélange de théâtre, de performance et d’exposition d’art vidéo. Dans ce cadre spécifique, les sorcières, représentation du surnaturel dans Macbeth , sont incarnées par Christiane Jatahy lorsqu’elle s’adresse aux spectateurs et délivre cette œuvre au public. Lady Macbeth, quant à elle, symbolise le pouvoir assassin, le désir d’enrichissement et « la luxure inextinguible du pouvoir qui s’autoalimente » . Quant à Macbeth, il devient un personnage contemporain qu’il y a lieu de chercher dans le réel et non pas uniquement dans la fiction. Macbeth représente le système social, économique et politique dans lequel nous vivons aujourd’hui et qui est tout aussi pervers que le personnage en lui-même. Comment Christiane Jatahy procède-t-elle pour adapter Macbeth ? Quelle est sa manière de travailler avec les acteurs pour en arriver à brouiller les rapports entre les personnes physiques et les personnages fictifs ? Comment un vrai parti pris esthétique et dramaturgique apparaît-il ? Comment le cinéma influence-t-il le théâtre et vice versa ? Comment apparaît cette « ligne ténue entre réalité et fiction » , laquelle étonne et déroute les « spect-acteurs » ? C’est précisément à toutes ces questions auxquelles nous répondons dans cet article. [less ▲]

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See detailMesure pour mesure de William Shakespeare dans une mise en scène de Jean-Yves Ruf 2008, MC93 de Bobigny
Deregnoncourt, Marine UL

in Théâtres du Monde (2020), 4

En novembre 2008, Jean-Yves Ruf propose au MC93 de Bobigny sa mise en scène de Mesure pour mesure de William Shakespeare. Cette pièce est considérée comme un poème immontable, rarement monté, complexe et ... [more ▼]

En novembre 2008, Jean-Yves Ruf propose au MC93 de Bobigny sa mise en scène de Mesure pour mesure de William Shakespeare. Cette pièce est considérée comme un poème immontable, rarement monté, complexe et malaisé à définir, tant il mêle la comédie à la pastorale, à la farce et à la tragédie. Cette pièce met au jour toutes les contradictions humaines. Le puritain Angelo fait l’expérience de la violence d’un désir irrationnel tandis qu’Isabelle n’entend pas sacrifier son honneur pour avoir l’opportunité de sauver son frère Claudio. Face à la montée des intégrismes, Jean-Yves Ruf souhaite donner à entendre au public les interrogations shakespeariennes, qui demeurent extrêmement actuelles. Notre article est divisé en deux parties. Nous nous attardons, dans un premier temps, sur « l’impureté générique », caractéristique de Mesure pour mesure. Nous nous focalisons, dans un second temps, sur le duo Angelo / Isabelle, lequel constitue le cœur de cette mise en scène. [less ▲]

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See detail« DU DÉSIR, ON NE PEUT S’APPROCHER QU’EN DANSANT ». La co-construction actoriale dans Partage de midi de Paul Claudel, mis en scène par Yves Beaunesne
Deregnoncourt, Marine UL

in European Drama and Performance Studies (2020), 2(2020), 165-176

Cet article porte sur la manière dont le désir, qui se situe du côté de l’irreprésentable, peut être créé, voire co-construit sur la scène théâtrale. Il examine les mises en scène du Partage de midi de ... [more ▼]

Cet article porte sur la manière dont le désir, qui se situe du côté de l’irreprésentable, peut être créé, voire co-construit sur la scène théâtrale. Il examine les mises en scène du Partage de midi de Paul Claudel, notamment l’interprétation de Marina Hands et Éric Ruf en 2007 à la Comédie-Française. Il montre en quoi la mise en scène du désir se fonde en grande partie sur l’improvisation des acteurs et sur l’idée d’un duo-duel dansé, constamment mis en tension. [less ▲]

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See detailL’EAU ET LE FEU DANS PHÈDRE DE JEAN RACINE : RÉFLEXION SUR LE POUVOIR LOUIS-QUATORZIEN
Deregnoncourt, Marine UL

in Théâtres du Monde (2020), 30(2020), 171-193

Cet article, divisé en deux grandes parties, concerne Phèdre de Jean Racine. La première partie se focalise sur le texte racinien précité, tente de repérer les différents usages de l’eau et du feu et ... [more ▼]

Cet article, divisé en deux grandes parties, concerne Phèdre de Jean Racine. La première partie se focalise sur le texte racinien précité, tente de repérer les différents usages de l’eau et du feu et s’intéresse plus spécifiquement à l’hypotypose prégnante dans « Le Récit de Théramène (scène de scansion, de tension et de cristallisation particulière) et tente de démontrer comment l’eau et le feu s’apparentent à deux éléments du pouvoir politique non seulement caractéristique du cadre mythologico-littéraire de cette tragédie mais aussi de l’époque moderne. La seconde partie s’axera, quant à elle, sur l’utopie et la dystopie, concepts représentatifs du grand siècle louis-quatorzien. Comment Phèdre de Jean Racine apparaît-elle comme le miroir de Versailles et de ses contradictions ? Comment l’eau et le feu apparaissent-ils comme deux forces antithétiques mais néanmoins complémentaires ? Comment, à l’instar de l’utopie et de la dystopie, l’eau et le feu semblent-ils les deux versants d’un même phénomène ? C’est précisément à toutes ces questions auxquelles cet article est consacré. [less ▲]

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See detailRoméo et Juliette de William Shakespeare à la Comédie-Française (2015-2016) : Quand une tragédie mythique devient une tragi-comédie
Deregnoncourt, Marine UL

in Shakespeare en devenir (2019), 14(2019),

How does the production of Romeo and Juliet designed and directed by Éric Ruf, the administrator of the Comédie-Française since 2014, figure out William Shakespeare’s tragedy in an unexpected way? And how ... [more ▼]

How does the production of Romeo and Juliet designed and directed by Éric Ruf, the administrator of the Comédie-Française since 2014, figure out William Shakespeare’s tragedy in an unexpected way? And how does it transform the tragedy into a tragi-comedy? These are questions that the following article tries to answer. The first and major part of the study focuses on Éric Ruf’s parti pris concerning the myth that Romeo and Juliet has become over time. What is the stage-director’s position vis-à-vis the Shakespearean text and what is the interpretation he shares with his audience? What is the gap between the original script – here in François-Victor Hugo’s translation – and the audio-visual adaptations of the play? Furthermore, how does Juliette (Suliane Brahim) seem to be the heroine of a family vendetta while Roméo (Jérémy Lopez) has more of the anti-hero? Finally how does Éric Ruf compose the mythic balcony scene and thwart the stereotypes about it? The last part of the article deals with the music partition that is omnipresent in the performance. How does it account for Éric Ruf’s dramaturgical vision and contribute to overturn the myth? [less ▲]

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